Aktuelles

215 – DIN A4 als Kreis

Konstante Fläche zu verändertem Format
∅ 27 cm, Keramik, Nudelbuchstaben, 1996

Das handelsübliche DIN A4-Blatt: 21 cm breit. 29,7 cm hoch. Proportionen 1:1,4142 ( = √2).

Flächeninhalt: 623,7 cm2 (#074).

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Ein Kreis ist eine Fläche, bei der alle Randpunkte den gleichen Abstand zum Mittelpunkt haben. Für einen Kreis gelten folgende Formeln: Der Flächeninhalt ist gleich A=π·r2 und der Umfang gleich U=2·π·r, wobei π (sprich: Pi) die Kreiszahl (ungefähr 3,14) ist. (Quelle: Wikipedia)

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Im vorliegenden Fall, einem Kreis mit einem Durchmesser von 27 cm, gilt also:

A = 3,14·13,52 = 572,265 cm2.

Damit entspricht die Fläche des Tellers beinahe der Fläche des A4-Blattes, nur dass sie rund statt eckig ist. DIN A4 als Kreis sozusagen.

Der genaue Wert läge bei knapp 14,1 cm im Radius, also einem Teller mit 28,2 cm im Durchmesser. Die Annäherung beim vorliegenden mit 27 cm beträgt etwas mehr als 90%, womit wir uns am Mittagstisch begnügen wollen.

Eine Optimierung scheint trotzdem möglich.

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Das DIN-Format verfolgt uns somit nicht nur auf dem Schreibtisch, in der Rahmenabteilung von IKEA oder auf Plakatwänden ( = 8 x DIN A0), sondern findet sich in fast jedem Küchenschrank. Eine Standardfläche, die tief in unseren Alltag vorgedrungen und genauso tief in unserem Unterbewusstsein verankert ist.

Der handelsübliche Teller entspricht der Fläche eines A4-Blattes, damit integriert er sich nahtlos in’s System, unterscheidet sich aber grundsätzlich in der Form.

Das Runde muss ins Eckige. (Sepp Herberger)

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DIN A4 als Kreis.

Geschrieben mit Suppenbuchstaben aus Hartweizen, statt mit Bleistift auf Papier.

Bon appétit!

212 – Waagen-Installation

Abhängigkeit der Teile voneinander; Installation
ca. 42 × 11 × 10 cm, 3 Küchenwaagen, 1996

Das System hat Gewicht.

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Bereits Element #160: Gewicht versucht dem Geheimnis des Gesamtgewichts auf die Spur zu kommen. Ein nur punktuell erfolgreiches Unterfangen, verändert sich das System doch ständig und wird fast täglich erweitert. Seine Masse nimmt im Laufe der Zeit permanent zu, Abzüge gibt es fast nie.

Zudem müsste die passende Waage her. Also mit allen Einzelteilen peu à peu auf die Haushaltswaage?

Vermutlich die einzige Lösung. Wiegekunst-Performance abzüglich Eigengewicht. Wobei: Zählt der Systeminator nicht selbst zum Inventar? Auch sein Gewicht verändert sich ständig, je nachdem ob Salat oder Pommes auf der Speisekarte stehen.

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Eine Waage wiegt eine Waage wiegt eine Waage. Die Selbstreferentialität des Systems. Wiegt es sich nicht ständig selbst? Sind nicht alle Systemelemente, zumindest alle mit Bezug zum System (Aspekt = blau), potentiell Spiegelungen derselben Sache? Wird das System so zu dem, was es ist: Ein Haufen Fragen, aber keine Antworten?

Wer schon einmal versucht hat eine Lesebrille zu reparieren kennt das Problem. Die Lesebrille bräuchte man, um selbige zu reparieren. Das geht nicht, weil sie dafür von der Nase genommen werden muss. Dann jedoch kann man nicht mehr gut genug sehen. Die Schlange beißt sich in den Schwanz.

Wenn das Hilfe-Werkzeug selbst Hilfe braucht.

Wenn der Chirurg sich selbst operiert. Wenn der Mensch über sich selbst nachdenkt?

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So verhält es sich mit der Waage. Sie wiegt alles mögliche, aber sich selbst wiegen kann sie nicht. Es sei denn, man besorgt ein zweites Exemplar. Dann wiegt eine Waage die andere: Knapp 200 Gramm. Der Zeiger läuft hurtig im Kreis, wenn mehrere übereinander gestapelt werden. Mit sechsen wäre die Ausgangsstellung erreicht. Ein waaghalsiges Unterfangen, der Turm fiele schnell zusammen. Die Frage bleibt: Wiegen fünf Waagen soviel wie keine?

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Dreht man das Teil auf den Kopf, wiegt es symbolisch die Welt. Nicht wirklich ermittelbar, nur mathematisch kalkulierbar. So große Waagen gibt es im Universum nicht. Die geschätzte Masse der Erde liegt bei 5,972 × 10^24 kg.

Es wiegt sich aber auch selbst. Ganz ohne zweites oder drittes Exemplar. Die Anzeige zeigt knapp 70 Gramm. Nur ein Drittel des Wertes wie anders herum mit einer baugleichen Waage als Gepäck.

Was ist da los?

Das Hauptgewicht sollte auf dem Messimpuls liegen, trotzdem wird die Waage scheinbar leichter. Mechanische Gründe? Fehlende Luftwiderstände? Eine Sinnestäuschung, also wahrnehmungstechnische Verwirrungen, somit ein psychologisches Problem? Gar ein parapsychologisches?

Die Welt im Kopfstand. Es macht vieles leichter. Physikalisch korrekt scheint es nicht zu sein. Schade. Die Gravitation auf diese Weise auszuhebeln wäre allzu schön gewesen.

Das System auf dem Kopf als Präsentationsgedanke.

209 – Verletzungsgefahr

Schmerzhafte Eigenschaft von Papier
DIN A4, Bleistift auf Papier, 1996

Das häufigste Mordwerkzeug dürfte die Pistole sein. Gefolgt vom Messer, der Rasierklinge, dem Beil und dem Säbel, bloßen Händen, dem Seil, Schal bzw. Kissen sowie diversen Giften. Zumindest, wenn man krimieuphorisiert den Medien trauen darf.

Hitchcock ließ auch mit Scheren morden, aber Papier als Mordwerkzeug? Ausgeschlossen.

So denkt man. Wer sich schon einmal die Finger am Rand eines Blattes aufgeschnitten hat, wird anders darüber urteilen. Es tut weh, es blutet, es verursacht fiese Wunden.

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„The first cut is the deepest.“ (Rod Stewart)

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Vorsicht ist also angesagt. Das Blatt Papier, normalerweise ausschließlich als Zeichenträger zu gebrauchen und maximal gefährlich beim Anfachen von Lagerfeuern, besitzt durchaus das Potential, Menschen zu verletzen. Bei geschicktem Umgang könnten diese sogar zu Tode gebracht werden. Bekannt ist mir diese Foltermethode nicht, aber es dürfte funktionieren.

Von daher: Jeder Gegenstand besitzt potentiell mörderische Eigenschaften, es kommt nur darauf an, wie er benutzt wird. Da macht das handelsübliche DIN A4-Papier keine Ausnahme.

Messer, Schere, Gabel, Licht… scharfkantige Papiere, könnte man ergänzen… sind für kleine Kinder nicht. Ein listiger Schüler mag versuchen, sich so von lästigen Hausaufgaben zu befreien („Das Papier hat mich gebissen!“), doch geschieht ein papierner Unfall selten, das Gefahrenpotential wird wenig akzeptiert. Die Ausrede dürfte beim Lehrpersonal nicht verfangen.

Rasier- und Cutterklingen, OP-Besteck und Plottermesser, allesamt hauchdünn geschnitten, bergen das deutlich höhere Risiko.

Außer Acht lassen sollten wir es trotzdem nicht: Das Hantieren mit Papieren kann Finger aufschneiden. Das Hantieren endet dann von alleine, das System ginge in eine Zwangspause, es sei denn, die dazugehörige Blutspur würde als Zeichenmittel dienen. Der Unfall als ungeplanter Ideengeber (#006: Kaffeefleck).

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Das Blatt kann nicht normal gerahmt werden, da die eigentliche Botschaft an den Rändern sitzt und teilweise verschwinden würde. Außerdem verlöre es durch den Glasschutz seine haptische Aussage.

Im Port wurde es mit kleinen Magneten auf die Wand gebracht; die umlaufende Klinge dem schutzlosen Publikum in aller Schärfe ausgesetzt. Dieses wusste offenbar nicht, in welcher Gefahr es sich befand.

Ein starkes Symbol für die dem System innewohnende Kraft.

207 – Rollende Galerie

Anhänger als Ausstellungsfläche
DIN A4, Bleistift auf Papier, 1996

Mobile Kunst.

Die Umkehrung des üblichen Prinzips: Nicht die Menschen zur Kunst, sondern die Kunst zu den Menschen bringen.
Street Art. Nur anders.

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Ein einfacher Anhänger reicht: Kunst rein.

Abgestellt. Angeschaut.

Als Werbemaßnahme längst entdeckt – fahruntaugliche Oldtimer, zusammengeklebte Spaßkarren oder herrenlose Anhänger finden sich im Stadtbild immer öfter. An prominenten Orten geparkt, immer dort, wo kein Strafzettel droht, werben sie für Anwaltskanzleien, Zahnimplantate oder das Bordell um die Ecke.

Nur die Kunst nutzt diese Möglichkeit bislang nicht. Dabei ist Werbung oft besser platziert als auf jeder Plakatwand, vor allem: Sie kostet keinen Cent. Außer der Anfangsinvestition muss man sich um nichts kümmern. Nur einen geeigneten Stellplatz finden. Und sollte dieser eines Tages verloren gehen, weil die Stadt den lästigen Dauergast loswerden will, zieht man einfach ein paar Blocks weiter.

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Die rollende Galerie. Ein umgebauter Transporter einer Glaserei würde reichen. Bilder rechts und links, das ganze durch ein Verdeck geschützt, schon käme die Kunst zum Menschen und diese bräuchten nicht mehr in der Stadt versteckte Privatetablissements aufsuchen, um ordentliche Kunst zu sehen. Der Schritt auf die Straße genügt.

Als ich Anfang der 1990er in Hamburg studierte und des öfteren mit dem Auto nach Mannheim kam, reichte eine Umrundung des Wasserturms, um in den Schaufenstern der damaligen Galerie Fahlbusch, an der Ecke zur Kunsthalle, die Großformate der Neuen Wilden zu sehen. Waren diese besonders flott, fuhr man den Kreisel ein zweites Mal.

Es brauchte keine Öffnungszeiten, es brauchte keine Türklinke, es gab keine Hemmschwelle, man musste keinen Small-Talk führen, der im ersten Satz alleiniges Schauinteresse entlarvt hätte. Die Kunst war einfach da und weithin sichtbar. Das war toll.

Heute wird teure Kunst gern in Hinterhöfen oder Privatwohnungen versteckt. Ein Wunder, dass überhaupt noch eine Klingel auf den Betrieb einer Galerie hinweist, vermutlich hat das steuerliche Gründe, jedenfalls ist die Kunst nicht mehr unter den Menschen und nur die wenigsten trauen sich überhaupt hinein. Es ist genau so gewollt: Exklusive Ware für exklusive Käufer. Treibt den Preis nach oben.

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Die rollende Galerie will das Gegenteil.

Die Kunst zu den Menschen bringen. Ob sie wollen oder nicht. Weithin sichtbar als großformatiges Werbeplakat. Wegschauen gilt nicht, es gibt kein Entkommen. Dabei deutlich weniger aggressiv und meistens wahrhaftiger.
Das Gegenmittel zum endplakatierten Stadtgesicht. Die Antithese der Kunstlandschaft.

205 – Scheren-Zeichnung

„Verlorene“ Fläche beim Spannen der Leinwand
DIN A4, Bleistift auf Papier, 1996

Malerei ist flach. Das unterscheidet sie vom Objekt.

Eigentlich.

Denn spannt man die Leinwand auf einen Rahmen, gewinnt sie eine weitere Dimension hinzu.

Selbst wenn die Malfläche flach bleibt, durch das Stülpen auf einen Bild-Träger wird die Leinwand selbst zum Objekt. Ob sie will, oder nicht. Es ist so.

Drei Dimensionen: Höhe. Breite. Tiefe.

Heerscharen an Künstler*innen haben sich mit dieser Frage beschäftigt, oder arbeiten sich noch daran ab. Das Bild als Ding. Dong!

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Flach bleibt Papier, bemalte Leinwände können mitunter enorm an Gewicht, Dicke, Masse und damit Bedeutung gewinnen, sobald sie aufgespannt werden. Was sie nicht unbedingt besser macht. Aber das ist eine andere Frage.
Es ergeben sich daraus mancherlei Phänomene wie Probleme.

Erst malen, dann spannen? Oder bereits aufgspannte Leinwände verwenden? Wie dick darf der Rahmen sein?

Kanten bemalen, oder nicht? Kanten abkleben, oder nicht? Letztendlich: Kanten beachten, oder nicht?

Jeder Maler findet dafür seine persönliche Lösung. Ich selbst versuche den Rahmen möglichst gering zu halten, der Fokus liegt auf der Oberfläche, der Rahmen soll lediglich das Bild halten.

Von daher: so dick wie nötig, so dünn wie möglich. Selbst Großformate werden sicher von 2–3 cm tiefen Keilrahmen gehalten, sofern man gute Qualität verwendet. Alles darüber macht erst ab Super-Size-Größen Sinn, z.B. 3 × 4 Meter. Mittel und Kleinformate mit dicken Rahmen entlarven den Amateur, das Bild soll wichtiger erscheinen als es ist, der Rahmen gewinnt unangemessen an Bedeutung, lenkt ab und verschleiert oft die eigentliche Misere: das schlechte Bild.

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Jeder, der schon einmal eine Leinwand bemalt und hinterher aufgespannt hat, kennt das Problem: Die vier Ecken verschwinden, der Bildrand geht auf die Kanten bzw. verschwindet auf der Rückseite.

Die Ecken werden umgefaltet und damit unsichtbar, die Bildbereiche an den Kanten gehören nicht mehr zur Bildoberfläche und der äußerste Rand dient zum Befestigen hinten, geht damit gänzlich verloren.

Ein Bild verliert also einen Teil seiner bemalten Fläche.

Das Thema selbst ist zeichenwürdig. Die stilisierten Scheren erinnern an Schnittmusterbögen.

Was aber, wenn das Phänomen zwar gemalt, hinterher aber regulär aufgespannt wird? Das eigentliche Motiv verschwände unter dem üblichen Wulst in den Ecken und wäre – obschon mit der Absicht, es zu zeigen – komplett verschwunden.

Paradox. Dumm gelaufen für das Bild. Gut für’s Konzept.

Minimalismus an seinem Eck-Punkt.

204 – Ein Zeichen zum Beweis, daß ich gelebt habe

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DIN A4, Bleistift auf Papier, 1996

Irgendwann ist man tot und das Leben schwindet Stück für Stück in’s Vergessen. Irgendwann sind auch alle Menschen tot, die man kannte und damit sterben die letzten Erinnerungen an einen selbst. Bereits die Urenkel kennen in der Regel nicht mehr die Vornamen ihrer Urgroßeltern. Irgendwann sind alle Spuren gelöscht.

Wirklich alle?

Als Künstler hat man Hoffnung. Die Hoffnung, dass etwas bleibt. Einige von uns haben es vorgemacht. Leonardo oder Michelangelo kennt man seit Jahrhunderten. Sie werden auch in absehbarer Zeit nicht vergessen werden. Ihr Werk bleibt, ihr Name bleibt, man weiß etwas über ihr Leben und Wirken. Schlaue Menschen kümmern sich, Museen bewahren, die Erinnerung soll für die Folgegenerationen gesichert werden.

Einige wenige von Abermillionen, die gelebt haben.

Immerhin. Es verschwindet nicht alles in der Vergangenheit.

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Nichts anderes ist das eigene künstlerische Werk. Die Hoffnung, dass etwas bleibt. Über den Tod hinaus. Dass irgendetwas irgendwann von irgendwem erkannt wird, als so wichtig ersehen, dass es gesichert werden muss.
Das muss nicht sofort sein. Vieles von dem, was heute für erhaltenswert erachtet wird, wird verschwinden. Kriege, Naturkatastrophen, Brände, Wasserschäden, allgemein der Zahn der Zeit tun ihr Werk.

Nicht alles, was heute da ist, wird in Zukunft da sein. Nicht alles Wichtige wird wichtig bleiben.

Und manches, was heute für unwichtig gehalten wird, mag morgen die Krönung einer Sammlung sein. Diese Geschichte kann niemand besser erzählen als Van Gogh, der zu Lebzeiten ein einziges Bild verkaufte und heute als einer der wertvollsten Künstler überhaupt gilt.

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Das System, zusammengefasst auf einem Blatt, in einem Satz, mit einem einfachen Kreuz. Zu zeigen, um was es geht: Einen Hinweis in die Welt zu setzen, dass man da war.

Ein Zeichen zum Beweis, daß ich gelebt habe.

Noch vor der Rechtschreibreform. Jedes Korrekturprogramm gibt Meldung, dass „daß“ falsch geschrieben steht. So schnell ändern sich Dinge, dass(!) sie manchmal schon zu Lebzeiten sichtbar werden. Meist geschieht es hinterher.

Es liegt nicht in unserer Macht. Das mag Verzweiflung auslösen, aber auch Hoffnung machen.

Schaun wir mal, wie Herr Beckenbauer zu sagen pflegte. Auch er verschwand von der Bildfläche, was vor 10 Jahren kein Mensch je gedacht hätte. Mitunter geht es nämlich genau andersherum.

202 – Alle Möglichkeiten in Schwarz

Additives Nullfeld der Malerei
DIN A4, Inkjet auf Tonpapier, 1996

Michelangelo antwortete einst auf die Frage, wie es denn möglich gewesen war, eine so schöne Statue zu erschaffen: „Der David steckte von Anfang an in dem Marmorblock. Ich habe nur entfernt, was nicht dazu gehörte.“

Das Ganze übertragen auf die Malerei. Vom Dreidimensionalen in die Fläche. Schwarz als die Summe aller (Mal)Farben. Darunter steckt jedes erdenkliche Bild: Von der einfachen Kinderzeichnung bis hin zur Mona Lisa. Man muss es sich nur denken können.

Alles da. Von Anfang an. Für die Kunst bzw. den Künstler heißt das: Alles Überflüssige entfernen und man stösst zum Kern. Nicht aufbauen, sondern abbauen ist das Geheimnis.

Oder wie Picasso einmal meinte: „Als Kind ist jeder ein Künstler. Die Schwierigkeit liegt darin, als Erwachsener einer zu bleiben. Das Geheimnis der Kunst liegt darin, dass man nicht sucht, sondern findet.“

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Schwarz ist nicht gleich Schwarz. Das Blatt macht es vor. Es gibt Schwarz, und es gibt tieferes Schwarz. Noch tieferes Schwarz, und tiefstes Schwarz.

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Das aktuell tiefste Schwarz nennt sich Vantablack. Es gilt als das schwärzeste Schwarz der Welt und wurde 2014 in Großbritannien für Anwendungen im Bereich der Messtechnik und unter anderem für die Raumfahrt und das Militärwesen entwickelt.

Der Name setzt sich zusammen aus Vanta (Vertically Aligned Nano Tube Array, deutsch „senkrecht angeordnetes Nanoröhren-Raster“) und Black für Schwarz.

Jedes Röhrchen hat einen Durchmesser von 20 Nanometern und eine Länge von 14 bis 50 Mikrometern. Auf einer Oberfläche von 1 cm² befinden sich eine Milliarde gerichtete Kohlenstoffnanoröhren. Durch diese Struktur nimmt das Material bis zu 99,965 Prozent der einfallenden Strahlung auf.

Einfallendes Licht wird in die Struktur geleitet, in Wärme umgewandelt und so gut wie nicht reflektiert. Wird eine Oberfläche mit Vantablack behandelt, verliert diese für das menschliche Auge ihre Struktur, und es entsteht die Empfindung, dass man in ein Loch bzw. ins Nichts schaut. Die Oberfläche wirkt zweidimensional. Vantablack kann man somit nicht sehen.

Die Kohlenstoffnanoröhren wachsen epitaktisch bei Temperaturen ab 430 Grad Celsius und können so auch auf Materialien wie Aluminium aufgebracht werden.

Der indisch-britische Künstler Anish Kapoor hat im Sommer 2014 erklärt, dass er mit Vantablack arbeiten wolle. Inzwischen hat er sich für einen sehr hohen Preis die exklusiven Nutzungsrechte an der Vewendung im Bereich Kunst gesichert.

Im August 2018 fiel ein Besucher im Museum Serralves in Porto in ein zweieinhalb Meter tiefes Loch, das der Künstler Anish Kapoor installiert und mit der Farbe Vantablack hatte beschichten lassen, wodurch es wie eine (begehbare) Fläche aussah. (Quelle: Wikipedia)

2016 wurde bekannt, dass bei der Weiterentwicklung von Vantablack ein noch tieferes Schwarz entwickelt wurde: Vantablack 2.0. Ob sich Kapoor auch daran die Rechte sicherte und dies bei jedem weiteren schwarzen Update machen wird, ist unbekannt.

201 – Das Polke-Problem

…
DIN A4, Bleistift auf Papier, 1996

Viele Kunststudenten kennen das Problem. Da sitzt man in der Klasse eines berühmten Professors (oder einer berühmten Professorin), was an für sich eine gute Sache ist, A-B-E-R…

Genau um das Problem geht es hier, das „Aber“ daran.

So inspirierend, so schön und ehrenvoll es sein mag, bei den Berühmtheiten dieser Welt in die Lehre zu gehen (oder gegangen zu sein), es ergeben sich daraus Probleme, die nicht vom Pinsel zu weisen sind.

Große Vorbilder sind wichtig. Große Vorbilder sind Wegweiser. Große Vorbilder können Türen öffnen. Aber auch schließen. Genau dann, wenn der Schüler dem Weg seines Meisters folgt, und dabei vergisst, den eigenen zu finden.

Bei jeder Jahresausstellung an sämtlichen Kunstakademien zu beobachten. Tolle Kunst, die der Lehrer macht, aber eine Heerschar an Epigonen, die sich durch alles malen, basteln oder fotografieren, was der Meister ebenfalls kann. Meist viel besser, vor allem: deutlich früher.

Bringt nix. Energie verschenkt. Zweitklassige Galerien, die der Kunstmarkt zuhauf beherbergt, mögen darauf anspringen, den zweiten, dritten, vierten Aufguss einer Position sogar an die Käufer bringen, die, wie wir alle wissen, meist keine Ahnung haben und vorrangig das kaufen, was ihnen bekannt vorkommt. Künstlerisch ist es nichts wert. Nur die Made im Speck, den andere geräuchert haben.

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Aber selbst, wenn einem diese Phänomene bekannt sind, sind nicht alle Probleme gelöst. Denn, von guten Vorbildern lernen, heißt eben auch, diese in Teilen adaptieren. Sonst wären sie keine Richtungsweiser, sondern nur Menschen, die Dinge machen, die einen nicht weiter interessieren.

Es sind aber eben jene Künstler, die sich aus der Masse heben, deren Werk einen anspringt, mit denen man sich länger beschäftigt, durch die man also lernt.

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Aber.

Wie oft schon stand man an der Leinwand, kam nicht weiter, überlegte hin, überlegte her, bis einem die entscheidende Idee kam, legte los, um kurz darauf einzusehen, nein, so geht es nicht, jemand anderes hatte es bereits vorher so oder so ähnlich gemacht. Unbewusst wurde der Pinsel gelenkt von Vorhandenem, Gesehenem, bereits Ermaltem. Man hatte zu tief ins Glas seiner Vorbilder geschaut und unglücklicherweise daran genippt.
Zuviel Polke. Zuviel Richter. Zuviel Oehlen. Zuviel Kirkeby. Zuviel Kippenberger. Weg damit. Neustart.

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Kunst bedeutet, frei zu sein. Frei von allem, was einen zu sehr beeinflusst, in eine bestimmte Richtung drängt und davon ablenkt, das Eigene zu tun.

Nun ist es in der hierarchisch streng reglementierten Kunstwelt nicht leicht, sich von bestimmten Vorbildern frei zu machen. Aber es muss geschehen.

Ansonsten verkommt die Kunst zur Spielerei, zum Anhimmeln bekannter Persönlichkeiten und Positionen sowie einem Kopierverhalten, das meist deutlich schlechter ist, vor allem aber: komplett sinnlos.

Denn wahre Kunst will das Eigene, das Unverwechselbare, das Persönliche. Alles andere ist Nachäffen und Ideenklau; davon haben wir in dieser gleichgeschalteten Welt wahrlich schon genug.

194 – Wurzel-Zeichnung

Alternative Proportionen der Zeichenfläche
DIN A4, Bleistift auf Papier, 1996

Die Wurzel aus 1 ist 1. Die Wurzel aus 2 ist 1,4142… eine irrationale Zahl mit unendlich vielen Kommastellen. Viel wichtiger: Wurzel 2 im Verhältnis zu 1 ist die längere Seite des DIN-Formats.

Anders geschrieben: DIN-Format, kurze Seite/lange Seite = 1 : 1,4142…

Warum der Wert der langen Seite auf Wurzel 2 gesetzt wurde, wird eingehend bei der DIN-Zeichnung (#063) erläutert. Falls es jemanden interessiert, bitte zurückblättern.

Wichtig für das vorliegende Blatt ist nur, dass es so ist.

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Was geschieht, wenn wir für die lange Seite die Wurzelzahl tauschen? Statt Wurzel 2 also Wurzel 3, Wurzel 4 oder Wurzel 5 wählen (and so on)?

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Das Verhältnis der langen Seite zur kurzen wird mit jeder neuen Wurzelzahl größer, entsprechend länglicher unser Format.

Wenn wir die sich so ergebenden Seitenverhältnisse auf ein DIN A4-Blatt (1 : 1,4142…) übertragen, entsprächen die ersten 11 Ergebnisse für die lange Seite den senkrechten Strichen in der vorliegenden Zeichnung. Dabei bleibt diese Seite stets gleich lang, die kurze Seite hingegen wird immer kürzer und verschiebt sich mit jedem Schritt weiter nach links, d.h. das Bildformat wird ständig länglicher. Gleichzeitig werden die Abstände zwischen den Strichen immer kleiner Das jeweilige Blattformat ergibt sich aus der Fläche links vom Strich bzw. alles rechts davon kann gedanklich weggeschnitten werden.

Nach Wurzel 11 wurde auf die weitere Strichsetzung verzichtet und nur noch gerechnet. Die Ergebnisse finden sich aufgelistet bis Wurzel 24, d.h. der senkrechte Strich rutscht nochmals deutlich nach links (für Wurzel 24 wurde er erneut eingezeichnet).

Die kurze Blattseite wird so lange kürzer, bis sie irgendwann auf den linken Rand treffen müsste. Das tut sie aber nicht, denn sie kann diesen rein mathematisch nie erreichen. So viele Striche wir auch ziehen: Die Rechnung führt ins Unendliche, der Wert wird immer über 0 liegen.

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Von der Fläche zur Linie. Rein theoretisch mit unendlich vielen und unendlich großen Wurzel-Zahlen denkbar.

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Vorher geschieht jedoch auf künstlerischem Gebiet Entscheidendes. Denn: Irgendwann kollidiert die Strichstärke (in diesem Fall: Bleistift HB) mit dem geringen Abstand der Striche zueinander, so dass wir bald an die Grenzen einer zeichnerischen Ausführung stoßen.

Ein feinliniger Drucker mag für kurze Zeit Abhilfe schaffen, dann ist auch da Schluß. Alles endet in einem einzigen dicken bzw. dünnen Strich. Unterschiede sind nicht mehr feststellbar.

Was bleibt ist die Idee einer Zeichnung, die nie vollendet werden kann, so sehr wir uns auch bemühen. Es wird nicht gelingen.

Ein Symbol, die mathematische Formel gar, für das Geheimnis auf der Schwelle zwischen Leben und Tod? Vielleicht. Aber das ist ein anderes Thema.

193 – 8128

Unterteilen durch permanente Halbierung
DIN A4, Kugelschreiber auf Papier, 1996

Faltet man ein Blatt dreimal, ergeben sich acht gleich große Abschnitte. Einen Zettel dieser Art trage ich ständig bei mir, auf ihm werden sämtliche Ideen festgehalten.

Die ständige Halbierung des Formats stellt einen Fahrplan für künftige Bildgrößen in der Malerei dar. Ausgehend von der Standardgröße DIN A4, die das Blatt vorgibt, wurden sämtliche Formate, die sich durch permanente Halbierung ergeben, durchnummeriert.

2. 4. 8. 16. 32. 64. 128. Macht 255 in der Summe.

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Skaliert man A4 – passend für die Malerei – auf die Größe einer Plakatwand (8 × DIN A0, woraus sich zudem der Name dieses Blattes ableitet = 8(×)128), ergeben sich folgende Bildgrößen und ihre Anzahl:
1 × Plakatwand (240 × 340 cm).
2 × halbe Plakatwand (240 × 170 cm).
4 × Doppel-A0 (170 × 120 cm).
8 × DIN A0 (118,8 × 84 cm).
16 × DIN A1 (84,1 × 59,4 cm).
32 × DIN A2 (59,4 × 42 cm).
64 × DIN A3 (42 × 29,7 cm).
128 × DIN A4 (29,7 × 21 cm).

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So der Plan, bevor die Malfabrik zur heutigen Form ausgebaut wurde: Verschiedene Serien in unterschiedlichen Formaten schaffen, um möglichst alle Größen zwischen DIN A4 und Plakatwand abzudecken.

Betrachtet man nach 25 Jahren das Ergebnis, ist festzustellen: Der Plan wurde eingehalten. Zwar weichen die Bildformate teilweise vom Standard ab (so wurden beispielsweise die Größen 50 × 30 cm und 100 × 70 cm eingeführt), die DIN-Proportionen bleiben jedoch erhalten und selbst die Anzahl der gemalten Bilder kommt dem Entwurf von 1996 erstaunlich nahe. Bei den kleinen Formaten wird die Anzahl deutlich übertroffen, die größeren sind mittlerweile ebenfalls alle ermalt.

Es kann also großflächig ausge-x-t werden, wie beispielhaft auf der Zeichnung zu sehen.

Die Blöcke 1, 3, 5, 6 und 7 summieren sich auf insgesamt 363 Formate in A4, die Blöcke 2, 4, 8.3 (Matrix) und 9 auf über 300 Bilder im Format A3. Dazu kommt die neue PDU-Serie mit der Superschablone von 1876 mit weiteren 300 Bildern. Die Namen in der großen Ausführung (Block 9.XXL) und die Equinox-Serie (Block 10) erreichen für A1 ebenfalls eine dreistellige Zahl.

Es existieren Malereien aus den Serien Flaggen, Schilder, Logos und Sprax (Block 8.2) im A0-Format, Doppel-A0 wurde als Namens-Auftrag abgedeckt, etliche Großformate in halber Plakatwandgröße existieren. Das Superformat (8 × DIN A0) wurde gleich dreimal als Wandmalerei für das Kunst am Bau-Projekt in Ludwigshafen 2016 verwirklicht. Bei selbigem gelang zudem das bislang größte Bild der Malfabrik: 12 × 7 m, was in etwa dem Neunfachen entspricht, was ehedem als Maximum ausgegeben wurde.

Allein das Format DIN A2 harrt noch auf Realisierung. Neueste Entwürfe zielen aber genau darauf
ab, womit das einmal gestellte Ziel endgültig erreicht wäre.

Künstlerische Planwirtschaft. Erfüllt.

191 – Postamt

Bild der Zukunft aus der Vergangenheit
24 × 30 cm, bedrucktes Buchpapier, 1996

Wie man sich in den 1960ern die Zukunft vorstellte.

Die Illustration stammt aus einem Buch, dessen Titel und Inhalt mir entfallen sind. Es kann nichts Wichtiges gewesen sein. Was hängenblieb, war die Zeichnung, die ich beizeiten rettete, indem ich sie säuberlich aus der Kladde trennte. Sie sollte als Vorlage für die Malerei dienen. Wie so vieles, was ich sammelte und ablag.
Warum aber gerade diese Zeichnung?

Weil ich mit dieser Art von Bildern aufgewachsen bin. In den 1960er und 1970er Jahren waren die Bücher voll davon. Die Zukunft schien rosig und technisch faszinierend. Von Umweltproblemen oder gesellschaftlicher Verwahrlosung sprach damals kein Mensch. Alles wurde in den buntesten Farben, mit den lustigsten Versprechen und den unglaublichsten Visionen ausgemalt.

Flüge auf andere Planeten, die Eroberung des Weltraums, Leben unter Wasser oder Mega-Städte mit bombastischen Glaskuppeln, die Individualisierung des Luftverkehrs, gigantische Bauten mit spektakulärer Architektur, alles schien in Reichweite und nur eine (kurze) Frage der Zeit. Dazu sollten die Menschen friedvoll und in sozialer Gerechtigkeit miteinander auskommen, Kriege gehörten ein für alle mal der Vergangenheit an und die Bevölkerung konzentrierte sich endlich auf Essentielles: die Kunst, die Wissenschaften, die Weiterentwicklung jedes Einzelnen und damit der gesamten Menschheit.

Ich bin mit diesen Bildern aufgewachsen, ich habe sie inhalliert und aufgesogen wie Muttermilch.
Ich habe an sie geglaubt. Umso ernüchternder die Erkenntnis, dass sich davon wenig bis gar nichts erfüllt hat. Die Welt blieb am Boden, die Menschen dumm wie Brot, erobert wurde gerade einmal der Mond, für kurze Zeit, und weder Unterwasserlandschaften noch Wolkenstädte erfüllten sich.

Umso fantastischer über die alten Weissagungen zu stolpern. Das ins Gedächtnis zu rufen, was
längst als unerfüllte Geschichte zu den Akten gelegt wurde. Solche Bilder werden nicht mehr
produziert. Weil es keine Visionen mehr gibt. Die Zukunft ging uns verloren und wir leben in einer
traurigen Epoche.

Das Postamt mit den fliegenden Helikoptern wurde nie gemalt, aber es stärkt das System an
einem entscheidenden Punkt: Den Glauben an die Schaffenskraft im Menschen. Den Glauben daran, dass mit der Zeit alles besser wird. Es ist der Glaube an den Glauben aus meiner Kindheit: In Form eines unerschütterlichen Optimismus und der Aussicht auf eine verheißungsvolle, für alle Menschen gute Zukunft.

190 – Schwamm

Sammelbecken, Ideenkatalog
ca. 17 × 17 × 6 cm, Naturschwamm, 1996

Als Badeschwamm wird seit alters her das Sponginskelett von Vertretern der Hornkieselschwämme verwendet, ein maschiges Gerüst von hornigen Fäden, die am lebenden Tier von dessen eigentlichem Weichkörper allseitig umgeben sind.

Frisch aus dem Wasser genommen, hat ein Badeschwamm ebenso wenig Ähnlichkeit mit dem Badeschwamm des Handels wie etwa ein lebender Mensch mit seinem Skelett.

Durch Kneten, Auswaschen und Liegenlassen an feuchter Luft wird das Spongingerüst des Badeschwammes, welches in chemischer Hinsicht der Substanz des Seidenfadens nahesteht, von den zelligen Elementen befreit.
Obwohl heute der größte Teil der verwendeten Schwämme aus Viskose hergestellt wird, besteht nach wie vor Nachfrage nach Naturschwämmen, welche von Tauchern im Mittelmeer und der Karibik geerntet werden.
Der feinste Badeschwamm kommt von der syrischen und kleinasiatischen Küste und von mehreren Inseln des Archipels; auch die Ostküste des Adriatischen Meeres bis Triest, die afrikanische Küste von Tunis bis Marokko und das Rote Meer liefern Schwämme.

Haupthandelsplätze für Badeschwämme waren Izmir, Triest, Venedig, Livorno, Tripolis, Marseille
und Genua.

In der Cirurgie benutzte man früher häufig die zusammengepressten Schwämme, um Wunden zu erweitern und Eiter zu entziehen. Man benutzt den Badeschwamm zum Filtrieren von Wasser, in den sogenannten Schwammlampen und zum Polstern. Kleine Naturschwämmchen finden als Menstruations-Hygieneartikel Verwendung. (Quelle: Wikipedia)

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Der Schwamm. Das Skelett des Systems. Die Essenz, wenn alles entfernt ist. Trockendock.

Ein Gefäß, das befüllt werden kann. Lange. Bis es überläuft. Fassungsvermögen: ein guter Liter. Der Schwamm hält die Flüssigkeit und gibt sie bei Druck wieder frei.

Das Gewicht wird durch das Wasser vervielfacht, ein trockener Schwamm wiegt nicht viel. Er ist leicht wie eine Feder, trotz seines durchwirkten Aufbaus. Die perfekte Hülle, ganz ohne Plastik.

Eine natürliche Karaffe, ideal als Speicher. Das System ist ebenfalls Speicher: Ideenspeicher. Energiespeicher. Blatt- und Sachenspeicher. Und ebenso wie der Schwamm entlässt es gezielt Partikel seines Inhalts. Jede Präsentation ist wie ein Druck auf das prall gefüllte Lager. Mal heftiger, mal schwächer. Je nachdem, ob mehr oder weniger gezeigt wird. Der Rest liegt im Depot. Jederzeit zum Abruf bereit. Nichts geht verloren. Alles da. Nur Teile sichtbar.

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Das weiche Ding faszinierte schon immer. Bereits als Kind gab es im Badezimmer nichts herrlicheres als einen großen, weichen Naturschwamm. Kein Vergleich zu den langweiligen Kunstdingern, die immer an Schmutz und Putzen erinnerten.

Sobald man den Flausch in Wasser taucht, offenbart er seine magische Wirkung. Bis heute fasziniert das langsame Entlassen des Wassers, die schwerelose Feuchte nach kräftigem Druck, die weiche Berührung auf der Haut.

Kein anderer Gegenstand ruft so schnell das Bild von Reise, Freiheit, Sonne, Strand und Meer ins Gedächtnis. Man meint augenblicklich den salzigen Ozean zu riechen, hört das knisternde Plätschern der Wellen, spürt die brennende Sonne auf nasser Haut. Die Weite eines endlosen Horizonts, das Türkis der Lagune in allen Schattierungen, das Rauschen von Palmen und ferner Brandung.

Ein Gedächtnisspeicher erster Klasse, eine Zeitreise in wenigen Sekunden. Südsee ahoi!

187 – Verputzstück

Konkrete Anbindung des Raums an das System
ca. 6 x 10,5 cm, Verputz, von der Decke gefallen, 1996

Die konkrete Anbindung des Raumes an das System.

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Es gab viele Versuche, Teil des Systems zu werden. Dinge wurden geschenkt, mit dem Vorhaben, dort zu landen. Dinge wurden getauscht, um sich selbst zu verewigen. Dinge wurden hineingeschmuggelt, im Glauben, dass es niemand merkt.

Manchmal gelingt es: Bei der Ausstellung in Viernheim wurde eine Piratenflagge als Sandkastenförmchen so geschickt auf dem Systemturm gehisst, dass ich sie erst beim Abbau bemerkte.

Seitdem ist sie nicht nur Teil des Systems, ihm wurde sogar die Ehre zuteil, in die sogenannte „Formel“ zu gelangen, der verkürzten Ausgabe, die aus nurmehr knapp zwei Dutzend Elementen besteht. Der freche Seeräuber hat sich bis heute nicht gemeldet, es gebührt ihm/ihr aber herzlicher Dank. Meutern, kapern, entern. Alles kapiert.

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Das Prinzip des Systems ist einfach: Ich komme in Berührung mit etwas, es macht Klick, ein systemrelevanter Gedanke entsteht, es wird wie von einem Staubsauger augenblicklich eingesogen und absorbiert (#200: Absorbiert).

So schlau, so gut.

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Was aber, wenn sich der Raum selbst meldet? Wenn er ebenfalls Teil werden will? Nicht nur temporär, sondern auf Dauer?So geschehen im Jahre 1996 im Aula-Vorraum der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. Das komplette System lag auf dem Boden, damals bereits auf über 800 Blatt angewachsen, als mir irgendwann etwas auffiel, das ich dort bestimmt nicht abgelegt hatte. So geschickt eingereiht, dass seine Existenz zunächst verborgen blieb.

Dann bemerkte ich, was es war. Vom bröseligen Putz der Decke hatte sich ein handtellergroßes Teil gelöst, war zu Boden gestürzt und inmitten meiner Sammlung zum Liegen gekommen. Da lag es nun, als ob es das Selbstverständlichste der Welt wäre. Tatsächlich hätte kein Besucher unterscheiden können, ob dies Absicht war, oder nicht.

Der entscheidende Gedanke. Absorbiert.

Seither ist es Teil des Systems, zerbrechlich wie eine Eierschale. Eine gepolsterte Box hilft beim Transport, es ist mit Abstand das fragilste Element unter den Tausend.

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Die Form erinnert an den Umriss einer Insel. Oder eines Landes. Mit etwas Fantasie ist Amerika zu entdecken, Florida und die Baja California wurden amputiert. Aber die nördliche Grenze würde stimmen, und dreht man das Ganze und fügt etwas Gekräusel an, spiegelt sich Kanada darin.

186 – Aufsteller

Vertikale Präsentation (statt horizontal)
DIN A4 in Halterung, Inkjet auf Papier, Plastik, 1996

Das vertikale Blatt. Bei Bodenpräsentationen verschieden vom Rest. Aufrechte Haltung.

Bei der Wandinstallation im Port eines von vielen. Eingereiht. Jedoch: Grundimpuls der Hängung in
die Senkrechte.

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Ein Blatt aufrecht stellen, das klärt die Materialfrage. Aber sonst? Welches Blatt bietet sich an? Es sollte eines sein, das die anderen in sich trägt. Auf das die Aufmerksamkeit fällt. Zwangsläufig. Nicht nur einmal, immer wieder. Zwecks Orientierung.

Von daher: Die Übersicht. Die komplette Liste des Kernsystems.

Stand: 18.02.1997. 241 Elemente. Das Deckblatt noch mit 1 bezeichnet, bevor es irgendwann zur
0 wurde. Die Liste diente als Fahrplan für die Hängung im Port.

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Die Liste. Zu Anfang gefaltet und aufgestellt, dabei immer wieder umgeweht, weswegen eine
andere Lösung her musste.

Ein abgeflachtes Ei mit Kerbe versprach Abhilfe. Man klemmte das Blatt hinein, es hielt
den Luftbewegungen stand. Aber es gab bessere Möglichkeiten.

Als nächstes der Aufsteller, perfekt fabriziert für DIN A4, keine sichtbaren Halterungen
mehr. Freie Sichtfläche, glatte Präsentation. Der Transport wird eher zum Problem, der fixe Winkel
macht es für so manche Kiste sperrig.

Neueste Idee: Die klappbare Warntafel. Slippery when wet. Verweist zugleich auf die Fragilität des Systems und dessen Eigenschaft, ständig in Bewegung bzw. bis zum Schluss aktiv zu sein.

Die gelben Seiten müssten mit schwarzer Schrift befüllt werden, entweder per Stift oder mit Folienbuchstaben. Erst dann wird es zum Kunstwerk. Reichen die beiden Außenflächen nicht aus, geht es auf den Innenseiten weiter. Schwarz auf gelb, die Farben des Systems, nicht nur in dieser Hinsicht eine Verbesserung des Aufstellers.

Irgendwann schwebt mir eine variable Lösung vor. Schrift sollte veränderbar und leicht auszutauschen sein. Damit die Liste up to date bleibt und man bei Präsentationen nicht mit über 20 Jahre alten Versionen hantieren muss.
In einem optimierten System gibt die Präzision den Takt vor. Also: Nicht faul sein, sondern immer wieder neu schreiben!

Das Element, das die meisten Metamorphosen durchlaufen hat ( = 4).

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Aspekt: Material. System.

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Kernsystem #186: Blatt aufrecht, (noch nicht ausgeführt:) gelber Warnaufsteller, Plastik klappbar,
62 x 30 x max. 47 cm, (ausgeführt:) Inkjet auf Papier, DIN A4 in Plastikaufsteller, DIN A4 in Klemm-Ei, 2019/2001/1996.

185 – Untersystem 1–1000

Das numerische Prinzip, übertragen auf Alltagsgegenstände
DIN A4, Bleistift auf Papier, Cola-Deckel, Pappe, 1996

Jedes Element trägt eine Zahl, das System ist von der 1 bis zur 1000 durchnummeriert (Kernsystem: 1 bis 248). Auf der Übersichtsliste (#186: Blatt, aufrecht) ist alles anhand seines Namens und seiner Zahl schnell zu finden.
Wie sähe es aus, würde man Dinge allein aufgrund ihrer aufgedruckten, eingestanzten oder wie auch-immer-vorhandenen-Zahl sammeln, ordnen und ausstellen? Wenn das einzig verbindende Element die fortlaufende Nummerierung wäre?

Ein Rätsel anfangs, gewiss, aber nicht nur Sherlock Holmes käme schnell auf die Lösung. Denn: Unsere Welt besteht aus Listen und Zahlen. Wir sind alle zu Zahlen- und Ordnungsfetischisten erzogen worden.

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Manche Elemente tragen die Ziffer bereits in sich, z.B. #041: Ich hasse Wiederholungen. Es ist die Seitenzahl des Lyrik-Bändchens von anno dunnemals. Chronologisch passend wurde es auf Position 41 des Kernsystems verankert. Hier funktioniert das Zahlensystem automatisch: Die sichtbare Zahl entspricht der offiziellen Nummerierung.

Normalerweise ist die Kennzahl unsichtbar, entsprechende Dinge müssten gesammelt werden.
Exemplarisch dienen hier der umgedrehte Deckel einer Cola-Flasche (die Ziffer 22 entschlüsselt
sich am unteren Rand des Verschlusses) und die Zahl 23 aus einem namenlosen Spiel. Die Reihe kann rückwärts zur 1 und vorwärts zur 1000 weitergeführt werden.

Was die beiden Beispiele außerdem verbindet, sind Form und Größe. Man könnte das Ganze also präzisieren und z.B. nur runde Dinge sammeln oder nur Dinge bis zur Größe eines Markstücks. Künstlerische Ansätze dieser Art gibt es wie in den Werken von Tom Friedman oder Maria Tackmann.

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Untersysteme faszinieren. Es sind Kinder des Systems, die größer werden können als die Quelle.
1000 × 1000 = 1 Million (#230: Million)

Die Verfeinerung, Verästelung, das Fraktale in einer Arbeit des Überblicks. Die Schablonensammlung gehört dazu, die Brio-Eisenbahn ebenfalls. Türen des System-Hauses, die geöffnet wurden. Dahinter befindet sich – wie im Falle der Schablonen bzw. der Malfabrik – eine ganz neue Welt.

Das Zahlensystem wurde nicht weiterverfolgt. Aber es könnte geschehen. Andere Untersysteme warten darauf, verwirklicht zu werden. Mit geringerem Aufwand. Wie die Ordnung aller Elemente nach ihrer Größe oder ihrem Gewicht.

Der Vorteil: Sie müssten nicht erst gesucht werden, sie sind bereits da.

184 – Geburtstermin

Zeitpunkt des Erreichens der numerischen Grenze
DIN A4, Bleistift auf Papier, 1996

Von der Eins im Sauseschritt auf die Tausend: 1000 Blatt zur Ewigkeit.

Die Geburtsstunde des Systems.

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September 1993. Das erste Blatt entsteht.

November 1994. Der Geburtstermin wird errechnet.

August 1995. Die 1000 soll erreicht sein. Ausgehend vom Tempo der vorvergangenen Monate auf den Tag genau errechnet.

Der 9. August. Löwe im Sternkreis. Aszendent noch unbekannt.

So der Plan. So die Vorausschau. Doch es kam anders.

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Was vergessen wurde: Die Dynamik des Systems. Sie lief nicht wie geplant (#178: Wasseruhr). Nach Monaten unablässigen Ergusses von Gedanken und Ideen, stockte auf einmal das Getriebe. Es tröpfelte aus, dann kam lange nichts mehr. Die 1000 zum Greifen nahe, doch kurz vor dem Ziel war der Sprit leer.

Es dauerte Jahre, bis die magische Zahl erreicht wurde, mittlerweile hatte ich mich anderen Dingen zugewandt, die Malfabrik lief auf Hochtouren, so dass das Ereignis nicht einmal den Eintrag ins Geburtenregister wert war.
Wann genau das System in voller Größe geboren wurde, weiß heute kein Mensch. Es rutschte ab
ins Unwichtige, Namenlose, Unauffindbare. Von daher sind astrologische Zeichen wie Sonnenstand und Aszendent unbekannt, das Kind wurde ohne Sternenpass geboren.

Sei’s drum.

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Was hingegen bekannt ist: Das Blatt liegt chronologisch quer im System. Geschrieben am 24.11.1994, mit Verweis auf den 09.08.1995, findet es sich heute unter dem Datum 1996 wieder, inmitten sehr viel jüngerer Geschwister.

Ein Ding der Unmöglichkeit.

Eine Zeitreise innerhalb des Systems? Wohl kaum. Eher die Schlampigkeit seines Betreibers, dem an dieser Stelle keinerlei Ausreden, hübsch formulierte Geschichten oder sonstigen Vorwände helfen. Es wurde einfach falsch datiert, der Beweis steht sozusagen auf der Stirn geschrieben. Zwei Jahre nach hinten gerutscht. Die Geburtsstunde künstlich verlängert. Das Menetekel vor sich hertragend.

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Irgendwann kam das System fast völlig zum Erliegen. Das Kind schlief im Mutterbauch ein, aber es starb nicht. An einem unbekannten Tag in einem unbekannten Jahr wurde es schließlich geboren. Ungesehen von der Welt, unbemerkt von seinem Vater. Heute ist es quicklebendig, doch deutlich jünger als die Vorausschau prophezeite.
Von daher wird bis heute die Zeugung zelebriert, wobei hier der genaue Tag fehlt. Anfang September 1993. Soviel verraten die Aufzeichnungen. Die 1000 Blatt hingegen, der Geburtstag des vollständigen Systems, fallen ins Dunkel der Geschichte.

Der 9. August 1995 bleibt eine Vision der Vergangenheit, die komplette Fehleinschätzung. Wie so häufig, wenn man vom Heute ins Morgen träumt.

183 – Das Böse

Moralisches Gegenprinzip
DIN A4, Bleistift auf Papier, 1996

Das moralische Gegenprinzip.

Das Pendant zum Guten. Zum Hehren. Zu einem selbst?

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Alles ist gut. Alles, was der Künstler macht. Alles, was der Künstler treibt. Alles, was der Künstler denkt. Alles, was er aufschreibt. So die Grundannahme.

Doch halt! Stimmt das auch?

Mitnichten. Nichts ist ausschließlich gut, oder ausschließlich schlecht. Die Welt ist auf Polaritäten aufgebaut. Das gilt im Großen wie im Kleinen. Das gilt in der Welt wie in der Kunst. Das gilt allgemein, wie bei einem selbst.

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Das Böse. Was ist das eigentlich?

Jeder hat seine eigene Vorstellung davon. Was für den einen gut, kann für den anderen schlecht sein. Und umgekehrt. Es gibt keine einheitliche Definition des Bösen, höchstens einen gesellschaftlichen Konsens: Du sollst nicht morden. Du sollst nicht rauben oder stehlen oder anderen Unfug treiben. Aber auch der ist zeitabhängig. Was zu bestimmten Zeiten als Todsünde galt, ist mittlerweile Teil der Kultur. Was vor Jahrhunderten selbstverständlich war, löst heute Abscheu und Entsetzen aus.

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Was also ist „Das Böse“?

Es ist eine innere Grenze, die normalerweise nicht überschritten wird. Bei jedem Mensch liegt sie anders. Der eine wandelt locker über Land, wo andere längst vor Mauern und verschlossenen Toren sitzen. Andere haben sich vollkommen eingemauert, fast jede Tätigkeit gilt als böse, das Menschsein scheint eine einzige große Sünde zu sein. Wieder andere kennen weder Skrupel noch Gewissen oder Hemmschwelle. Bei ihnen ist möglich, was bei den meisten längst Schuldgefühle und Entsetzen vor sich selbst ausgelöst hätten.

Wer also definiert „Das Böse“? Nur mensch selbst.

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Das System ist grundsätzlich gut. Also auf der „richtigen“ Seite. Sonst hätte man es nicht aufgebaut, sonst würde man sich damit nicht beschäftigen.

Eines der Grundprinzipien des Systems besagt, die eigene Person möglichst umfänglich, also vollständig und in allen Facetten einzufangen.

Wie aber soll das möglich sein, wenn man nur das Gute einfängt? Das Böse aber da ist? Das, wofür man sich schämt. Das, was nicht an die Öffentlichkeit soll. Das, was man am liebsten versteckt. Das Monster im Schrank. Die Leichen im Keller. Die dunkle Seite der Persönlichkeit. Das Schreckliche des eigenen Ich.

Von daher wird es symbolisch dem System angeheftet. Damit es lieblich bleibt und harmlos wirkt (ansonsten kaum auszuhalten), als Doppelzeiler auf einer Lightbox, einem Utensil, das es in den letzten Jahren als Werbemaßnahme in fast jedes Schaufenster geschafft hat. Normalerweise die Bühne für alles Schöne, Liebe, für nette Worte und gute Botschaften. Mit Herzen und Sternen.

Ein Widerspruch.

Denn: Ba-Ba-Banküberfall …

Das Böse ist immer und überall! (EAV)

182 – Mobile

Bewegung innerhalb eines Systems der Statik
Metall, Plastik, Magnet, Batterie, 20 x 16 x 8 cm, 1996

Die Bewegung im System. Das einzige Element, das nicht statisch ist.

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Der Herzschlag der Kunst.

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Das Pendel fasziniert. Innerhalb eines handballgroßen Metallrings mit eingebauter Unwucht sitzen zwei stilisierte Delfine symmetrisch an den Enden einer dünnen Stange.

Schiebt man das Gebilde an, pendeln beide Kreise; der innere wie der äußere. Während der äußere Ring regelmässig hin und her schwingt, bewegen sich die Meeressäuger im Innern unregelmässiger. Sie laufen mal hierhin, mal dorthin, mal im Uhrzeigersinn, mal dagegen, sie überschlagen sich oder halten mitten im Schwung inne, fangen an zu zittern und ändern abrupt die Laufrichtung. Je nachdem, wo sich der schwere Magnet an der Unterseite gerade befindet. Die Nähe zu den Tieren macht diese unberechenbar.

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Neben den Puppen in der Puppe (#049: Matrjoschka) und dem Messer (#243) das auffälligste Element im Kernsystem, schon wegen seines Alleinstellungsmerkmals: der Bewegung. Eines, zu dem während Präsentationen die meisten Fragen gestellt werden.

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Das Mobile befand sich in einer Wohngruppe für Menschen mit Handicap, in der ich während der Studienzeit als Nachtwache jobbte. Entsprechend lange hatte ich Zeit, es zu betrachten. Irgendwann fiel der Groschen: Das Ding passte genau in mein System. Es repräsentierte die Bewegung, wo ansonsten nur Statik herrschte. Ich musste es haben.

Gar nicht so leicht. In ganz Hamburg war das Teil in dieser Ausführung nicht mehr aufzutreiben. Ausverkauft. Also verfiel ich auf einen Trick und besorgte mir auf dem Weihnachtsmarkt ein ähnliches Gebilde, deutlich voluminöser und kitschiger, mit glitzerndem Firlefanz. Das stellte ich der Wohngruppe bei meinem nächsten Arbeitstermin vor, erntete Begeisterung und durfte entsprechend das nutzlos gewordene alte Teil einpacken. Heureka!

Nutzlos geworden für andere. Nicht für mich. Ich hatte, was ich brauchte und seither bewegt es das System mit Schwung und herrlichen Überschlägen. Stundenlang kann man dem lautlosen Treiben zuschauen. Meditatives Versenken. Warten, bis die Delfine die Richtung ändern, sich wieder einpendeln. Schafft es der Außenkreis, sich zu überschlagen? Wann bleibt es stehen, wann pendelt es aus?

Es schwingt stundenlang wie ein Perpetuum Mobile (#021). Nichts kann es aufhalten. Pauseloses Hin und Her. Nur angetrieben durch den präzise geleiteten Schwung seiner Elemente. Scheinbar.

Maschine der Zukunft, die alle Energieprobleme löst?

Mitnichten. Im Boden sitzt eine Batterie. Es ist der Gegenpol zum Magnet und treibt diesen immer wieder an. Solange, bis sie leer ist. Das kann freilich Tage dauern. Bis dahin sind Besucher einer Ausstellung längst gegangen, den Glauben im Gepäck, dass im System außergewöhnliche, wenn nicht gar übersinnliche Kräfte wirken.

Ein wenig Magie hat noch nie geschadet. Speziell in der Kunst.

Delfinabim!

181 – Vorstoß in die Tiefe

Optimierung durch Füllen einer festgelegten Anzahl von Leerstellen (Sticker-Album)
Klebealbum, 112 Seiten, 21,5 x 18,5 cm, herausgegeben von ESSO Deutschland, 1972

Der Held meiner Kindheit. Hans Hass (1919–2013), österreichischer Zoologe und Meeresforscher, der vor allem für seine Dokumentarfilme über Haie bekannt wurde.

Die Mineralölfirma ESSO brachte 1972 ein Sammelalbum für Klebebilder heraus. Neben vielen Texten zum Meer und dem Tauchen, wartete das Büchlein darauf, mit bunten Bildern befüllt zuwerden. Das tat ich über Monate, wenn nicht Jahre. So lange, bis die leeren Seiten fast voll waren. Nicht allzu schwer, wenn man keine 100 Meter neben der richtigen Tankstelle aufwächst.

Es war ein absolutes Highlight meiner bereits in den 1970ern ausgeprägten Sammelleidenschaft. Ich liebte die Geschichten vom Meer und seinen Bewohnern. Ganz hinten gab es gezeichnete Visionen vom Leben unter Wasser in ferner Zukunft, mit spektakulären Unterwasserbooten und Tauchern, die Delfine umarmten. So herrlich wurde uns damals die Zukunft versprochen. Gehalten hat sie bis heute nichts.

Das Buch verschwand in den Wirren später Jugend von der Bildfläche und tauchte erst Jahrzehnte später wieder in der Erinnerung auf. Da hatte ich bereits das erste Stickeralbum dem System angegliedert, irgendein schnell zusammengesuchtes Beispiel mit Comicfiguren und Superhelden, zu denen ich keinerlei Beziehung hatte.

Es sollte als Beispiel einer möglichen Kataloggestaltung dienen. Passend für eine Arbeit wie dem System, das aus vielen Einzelteilen besteht und als großes Puzzle bzw. Suchbild funktioniert. Außergewöhnlich dazu, also wurde die Idee beizeiten integriert.

Erst viel später fiel mir ein, dass es da ja ein Album gab, dass den prinzipiellen Gedanken nicht nur genauso gut transportierte, sondern zu dem ich auch noch eine besondere emotionale Bindung hatte: Das ESSO-Teil mit den Meeresbildern von Hans Hass.

Folglich besorgte ich mir eine vollständige Ausgabe über Ebay und erfreue mich seither erneut an den bunten Bildchen meiner Kindheit. Besonders die erste und letzte Doppelseite haben es mir angetan, auf ihnen sind farbenprächtige Schwärme von Fischen aus tropischen Gewässern abgebildet, was mich schon damals schwer beeindruckte. Leider bekam ich speziell diese vier Seiten nie komplett gefüllt.

Heute schwimmen jeweils 24 Fische, korrekt in Leserichtung eingeklebt, vor allem: vollständig, um die Wette, und rieche ich an den alten Seiten, schnuppere ich einen Teil meiner Kindheit. Ein wunderbares Stück Erinnerung, mittlerweile fast 50 Jahre alt.

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Der Titel liest sich durchaus metaphorisch. Vorstoß in die Tiefe. Wie das System. Die Kunst. Man taucht ab, stößt in Bereiche vor, die im Dunkeln lagen, leuchtet aus, bildet ab, macht bekannt. Und von Haifischen umgeben ist man auch die ganze Zeit.

178 – Wasseruhr

Schnelldurchlauf des Systems
Plastik, Wasser, Luft, Zylinder: Höhe 12 cm, Breite 5 cm, 1996

Die Dynamik des Systems.

Ein Mitbringsel vom Weihnachtsmarkt. Der Zylinder ist in der Mitte mit Wasser gefüllt. Am oberen wie unteren Ende zwei Luftreservoirs. Dreht man das Spielgerät wie eine Sanduhr, strömen über ein Ventil am Boden Luftbläschen ins Wasser, steigen auf, laufen über eine Spirale nach oben und sammeln sich schließlich im oberen Teil. Das Spiel kann von vorne beginnen.

Faszinierend.

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Die Ideen des Systems: Kreative Blasen, die aufsteigen – aus den Tiefen des Denkens, des In-der-Welt-Seins, des Unterbewussten oder was immer – sie sammeln sich im Pulk, dem System.

Eine nach der anderen. Fein sortiert. In steter Abfolge. Nichts kommt durcheinander. Eine Marschreihe als Armee. Schneller und immer schneller. Dann langsamer. Bis nichts mehr kommt.

Genau so verläuft die Dynamik des Systems: Irgendjemand dreht, oder drückt den Knopf, oder die Zeit ist einfach reif, jedenfalls fängt es irgendwann mit der ersten Idee an. Sie steigt auf. Wird festgehalten. Dann kommt die nächste. In logischer Abfolge. Es folgen weitere. Bald darauf ist das gesamte Denken davon besetzt. Ein Tanz der Ideen. Das Potential scheint unendlich.

Doch auf einmal werden die Abstände größer. Lücken entstehen. Die Karawane wird zahnloser. Es tropfen nurmehr einzelne in die Bahn. Dann dünnt es vollends aus. Ein vorletzer Tropfen. Ein allerletzter. Der Lauf kommt zum Stillstand. Es herrscht Ruhe. Als ob nie etwas gewesen wäre.

Allein an den vertauschten Farben oben wie unten erkennt der Profi, dass etwas geschehen sein muss. Das Ding steht kopf. Wie man selbst.

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Es gab Zeiten, da ließen mir die Ideen keine Ruhe mehr. Verzweifelt versuchte ich einzufangen, was beinahe minütlich aus dem kreativen Topf fiel. Nachts lag ein Zettel neben dem Bett, um aufzuschreiben, was selbst im Schlaf nicht zur Ruhe kommen wollte.

Es war alles bedeutend. Es war alles wichtig. Ich bewegte mich in Richtung eines kreativen Wahnsinns und konnte für Momente nachempfinden, was geniale Köpfe wie Van Gogh, Mozart oder Tesla sowohl zu Höchstleistungen trieb als auch in tiefste Verzweiflung stürzen ließ.

Zum Glück ließ die Anspannung nach einer Weile nach. Folge davon sind die Kernbereiche des Systems, die es seitdem zu bewahren, zu erforschen, auszubauen und zu sortieren gilt.

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Nach jeder Ausstellung des Systems sprudeln die Blasen erneut. Es ist jedes Mal ein erneutes Drehen des Zylinders. Auf einmal tanzt und läuft es wieder, Zettel werden beschrieben, Dinge gehortet und zu Kunstwerken arrangiert, der Motor, der zwischenzeitlich fast zum Erliegen gekommen wäre, rattert und spuckt in regelmässiger Abfolge Neues aus.

Die Sanduhr läuft. Das Spiel beginnt von vorne.

176 – Jenga

Optimierung durch Streckung einer Menge
57 Holklötzchen, gestapelt, 20 x 6 cm, 1996

Jenga ist ein Geschicklichkeitsspiel. Normalerweise besteht es aus 60 gleichen hölzernen Bauteilen in Quaderform, bei der Mini-Ausgabe im System sind es 57 Steine. Zu Beginn des Spielwerden alle Klötzchen zu einem Turm gestapelt, indem immer drei Bauteile nebeneinander liegen.
Der Name „Jenga“ hat seinen Ursprung in der Sprache Swahili (deutsch: Suaheli, die meistverbreitete Verkehrssprache in Ostafrika), er bedeutet so viel wie „bauen“.
Nachdem der Turm aufgestellt ist, lösen die Mitspieler abwechselnd einhändig einen Stein aus dem Turm und setzen ihn oben auf die Spitze. Von der direkt darunter liegenden Ebene darf ein Stein nur entfernt werden, wenn die darüberliegende oberste Ebene bereits vollständig ist (sprich: aus 3 Steinen besteht). Das Spiel endet, wenn der Turm einstürzt. Sieger des Spiels ist, wer den letzten Stein auf den Turm setzen konnte, ohne dass dieser zusammenfällt.
Das Spiel erschien 1983 in Großbritannien und 1989 in Deutschland. Es zählte schon bald nach der Veröffentlichung zu den Klassikern bei den Geschicklichkeitsspielen. (Quelle: Wikipedia)

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19 x 3 = 57 Steine. Die Zahl nähert sich der Größe des „Kerns vom Kernsystem“ an (= 64 Elemente).

Die Größe eines einzelnen Steins entspricht in der Mini-Version des Turms fast exakt der Größe eines Kägifret, einer mit Schokolade überzogenen Waffelspezialität aus der Schweiz, die zu meinen Lieblingssüßspeisen zählt. Vielleicht aus diesem Grunde die mundgerechte Variante.

Das Spiel lässt sich mit mehreren Personen, aber auch alleine spielen. Dann geht es darum, einen möglichst hohen Turm zu bauen, ohne dass dieser zusammenbricht. Der Rekord liegt aktuell bei 27 Ebenen.

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Der Turm symbolisiert die Dehnung des Systems, ohne dabei die Anzahl der beteiligten Elemente zu verändern. Immer wieder in seiner Entstehungsgeschichte wurden einzelne Teile aus dem System durch andere ersetzt, wenn der Kerngedanke, der ihnen zu Grunde liegt, eine bessere Lösung findet. Zuweilen werden auch zwei Ideen zu einem Element zusammengezogen (Beispiel #015: Erst alles falsch machen, dann wird es schon richtig).

Man löst einen einen Stein aus dem Block, um dem Ganzen – in der Systemchronologie: hinten, im Falle des Jenga-Turmes: oben – etwas hinzuzufügen. Das Gebilde hat sich verändert, die Gesamtsumme bleibt gleich.

Wie weit darf man gehen, ohne die Einheit zu zerstören? Welche Streckung hält das Gebilde aus? Wie groß dürfen die Lücken werden, ohne die Stabilität zu gefährden?

Fragen, die sowohl für den Bauherrn wie für den Systeminator von Belang sind. Ein falscher Stein an der falschen Stelle entnommen und alles ist kaputt. Also müssen Manöver mit Bedacht gelöst werden; mit Überlegung, leichtem Wackeln, vorsichtigem Herantasten. Erst, wenn keine Gefahr droht, sollte entnommen und aufgestapelt werden. Die Grundstabilität muss erhalten bleiben, es darf kein Ungleichgewicht entstehen, sonst drohen Einsturz des Turms bzw. Absturz des Systems.

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Ein Element, dass sich für eine gründliche Renovierung anbietet, sowohl von der Anzahl der Steine, seines Materials als auch der (momentan schmucklosen) Farbigkeit.

Von der Miniaturausgabe zur Skulptur. Durchaus vorstellbar wären Bierkisten, die beklettert und immer höher gebaut werden, oder Schaumstoffteile, die zur Decke ragen.

Auch eine Umlackierung in die Systemfarben Schwarz und Gelb wäre möglich.

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Bei Präsentationen darf damit gespielt werden. Wer schafft den höchsten Turm? Wer hat die sicherste Hand? Wer traut sich, wo sich niemand mehr traut? Wer sieht die Möglichkeit und nutzt seine Chance?

171 – Pitcairn

Mythos Südsee, Mythos Meuterei, Malvorlage
Buchdruck, Seite herausgerissen aus Buch, 19 x 13 cm, 1996

Pitcairn. Die Insel aller Träume. Zuflucht der Meuterer von der „Bounty“.

Die Seite stammt aus meinem Lieblingsbuch, ebenfalls im System vertreten (vgl. #031): Die deutsche Ausgabe von „Meuterei auf der Bounty“ von Charles B. Nordhoff und James N. Hall, geschrieben in den Jahren 1932–34. Es ist die Seite 154, sie wurde herausgerissen.

Ein Blick ins Inselinnere, überwuchert von Lianen und Schlingpflanzen. Eine Hütte wird sichtbar, schrägstehende Palmen, der steile Vulkankegel unter einem bewölkten Himmel; das Bild einer üppigen Urwelt, vom Menschen gezähmt, das schwitzende Sehnsüchte weckt.

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Pitcairn. Entdeckt 1767 von dem Seekadetten Robert Pitcairn. Zu dieser Zeit um gut 200 Seemeilen falsch auf sämtlichen Seekarten der britischen Marine verzeichnet. Das ideale Versteck für eine Handvoll Männer, auf die in der englischen Heimat der Tod am Strang wartet.

Am 15. Januar 1790 wird das Eiland gesichtet, drei Tage später setzen neun Europäer unter Führung von Fletcher Christian, sechs polynesische Männer und zwölf Frauen aus Tahiti ihren Fuß auf die zu diesem Zeitpunkt unbewohnte Insel. Es ist das Ende einer monatelangen Flucht, nach der berühmtesten Meuterei der britischen Seefahrtsgeschichte.

Monate später sind die meisten Männer tot, unter ihnen Fletcher Christian, die Bounty verbrannt und die kleine Gemeinschaft verschwindet fast 20 Jahre im Nebel der Geschichte. Erst 1808 wird sie von einem vorbeifahrenden Robbenjäger wiederentdeckt, ab diesem Zeitpunkt erfährt die Welt vom Schicksal der Restmeuterer.

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Pitcairn ist so groß wie Helgoland und liegt isoliert im Südpazifik. Die nächstgelegenen bewohnten Inseln sind im Westen die Gambierinseln in 500 km Entfernung, im Osten die Osterinsel in 2000 km Entfernung. Einmal im Jahr kommen Buckelwale auf ihrem Zug durch den Pazifik hier vorbei.
Die Insel ist vulkanischen Ursprungs, der umgebende Korallensaum fehlt allerdings. Eine starke Brandung erreicht die ungeschützte Küste, der Landsockel fällt abrupt in Tiefen von über 3.000 m ab. Strände oder eine Küstenebene gibt es nicht. Entsprechend schwierig ist die Landung. Bis heute kann der tückische Seegang nur mit den Langbooten der Einheimischen überwunden werden.Der Regen fällt etwa 2–3 mal so häufig wie in Deutschland, es gibt keine ausgeprägten Jahreszeiten. Die Temperatur liegt gleichbleibend zw. 19 und 24°C. Für den Menschen gefährliche Tiere (außer in den haiverseuchten Gewässern um die Insel) oder Krankheitsüberträger gibt es nicht.

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Das Paradies. Eigentlich.

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Denn: Ende der 1990er Jahre wurden Mißbrauchsvorwürfe laut und drangen an die Weltöffentlichkeit. Das so abgeschiedene Eiland, letzte Kolonie der britischen Krone im Pazifik und damit automatisch Mitglied der Europäischen Union, rückte wieder ins Bewusstsein der Menschheit.
Der Prozess endete damit, dass ein Gefängnis auf einer der abgelegensten Inseln der Welt errichtet wurde, in dem die verurteilten Angeklagten, allesamt männliche Mitglieder der heute 39 Mitglieder zählenden Adventisten-Gemeinde, ihre teilweise mehrjährigen Freiheitsstrafen verbüssten. Zum Steuern der Langboote dürften sie das Verlies 3–4 mal im Jahr verlassen. Nur die Verurteilten sind in der Lage, das gefährliche Manöver zu vollbringen.

Irre: Auf dem hintersten Flecken der Erde, mit nur ein paar Dutzend Einwohnern – eine Strafvollzugsanstalt. Das „Gefängnis im Gefängnis“ sozusagen, noch absurder als die Zeichnung „Wolkenkratzer auf Berg“, die Teil des A-Systems ist.

So paradiesisch die Südsee auch erscheinen mag, in Wirklichkeit ist sie oft die Hölle. Davon wussten schon Robert Louis Stevenson, Joseph Conrad, Friedrich Wilhelm Murnau oder Paul Gauguin zu berichten.

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Der Stich wurde bereits für die Malerei verwendet, das Bild hinterher aber wieder verworfen. Es harrt also weiterhin der künstlerischen Umsetzung (eventuell in einer großen Wandmalerei?).

Ein Traumbild, das sich fest in mein Unterbewusstes gesetzt hat. Prägend bis heute.

Vielleicht führt es mich eines Tages ja doch noch auf die „Insel aller Inseln“, allen Widrigkeiten zum Trotz. Schwieriger jedenfalls als dorthin zu gelangen, dürfte es nur wenige Orte auf dieser Erde geben. Die Meuterer von einst wussten wohl, wo sie ihre letzte Zuflucht fanden. Glücklich wurden sie dennoch nicht.

170 – Kreisel

Veränderung durch Bewegung
∅ 5 cm, bemalter Holzkreisel, 1995

Die Bewegung zum „System“. Analog. Noch muss sie per Hand angeschmissen werden, noch handelt es sich nur um Sekunden. Ein Element in Unruhe, das gab es vorher nicht.

Zum ersten Mal spielt dieser Aspekt eine Rolle, die „permanente Bewegung“ wird folgen (#182: Mobile). Was vorher felsenfest erschien, gerät nun in Schwung.

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Ist nicht das ganze Leben in Bewegung? Rotiert nicht die Weltkugel mit einer Geschwindigkeit von 1670 Kilometern pro Stunde um die eigene Achse, gleichzeitig mit 30 Kilometern pro Sekunde ( = 108.000 km/h) um die Sonne? Kreist diese nicht mit 240 km/s um das Zentrum der Milchstraße, während sich selbige mit 19,7 km/s in Richtung des Sonnenapex bewegt?

Das ganze Universum bewegt sich, es dehnt sich permanent aus; der Forschungsstand beschreibt es als ca. 13,8 Mrd. Jahre alt. Da sich der Raum stark gedehnt hat, befinden sich Orte am äußeren Rand mittlerweile mehr als 45 Mrd. Lichtjahre entfernt. Der Durchmesser des Universums beträgt nach aktuellen Stand also ca. 93 Mrd. Lichtjahre.

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Den Kreisel schwatzte ich der Tochter einer Freundin ab, er war Teil eines Gesellschafts-Spiels, sie erhielt dafür eine Prinzessinen-Schablone. Zuvor lag das erstbeste Holzteil im System, jeder Spielwarenladen bietet eine größere Auswahl.

Der hier abgebildete Kreisel deckt – neben der Bewegung – nämlich einen weiteren Aspekt ab: das Mischen von Farben – durch Rotation. Aus Rot und Blau wird…. richtig!… Violett. Das interessiert den Maler.

Was geschähe wohl, würde man das gesamte System in Rotation versetzen (neben den zigtausenden Sekundenkilometern, die es als Teil dieser Welt ja automatisch irgendwohin kreiselt)?

Man weiß es nicht. Die Blätter würden wohl allesamt wie ein Haufen Laub in die Höhe gehoben und eine Weile tanzen wie die Plastiktüte in „American Beauty“; die Objekte, je nach Schwere, früher oder später umfallen.

Manches wie die Tangram-Blättchen (#102), die Alu-Buchstaben (#197: Backförmchen) oder die Puzzle-Teilchen (#213) würden in alle Winde zerstreut, die Kerze (#152) ausgeblasen, der Jenga-Turm (#176) sowie die Waagen-Installation (#212) umgepustet, der Basketball (#234) würde zurück nach Mexiko rollen.

Nur das Mobile (#182) könnte die Gunst des Sturmes nutzen und würde in heftige Bewegung geraten. Am längsten auf den Beinen blieben wohl das Gewicht (#160) und die Matrjoschka (# 049); bei Windstärke 12 wäre auch hier Schluß.

Zu heftige Bewegung zerstört nicht unmittelbar das „System“, aber seine Systematik. Von daher: Immer schön auf dem Boden bleiben, Fenster geschlossen halten und den Ventilator (#231) max. auf 1 drehen.

Außerdem: Erdbebengefährdete Gebiete für die Präsentation meiden. San Francisco oder Lima sind gefährlicher als Amsterdam oder Barcelona. Hier könnte es höchstens zu Überschwemmungen kommen. Aber das ist wieder ein anderes Thema.

169 – 1001 Nacht

Numerische Systemgrenze (25 × 40 = 1000)
31 × 49 cm, 1000 Klebepunkte auf Duschfolie, 1996

1000 grüne Klebepunkte, auf einer Matrix von 40 × 25 Feldern. Folie, um daraus den Duschvorhang zu basteln. Auf Holzrahmen gezogen, selbstgezimmert. Fertig sind die Träume von „1001 Nacht“.

Tausend – und ein Punkt? Tatsächlich? Einer fehlt offensichtlich: 40 × 25 ergeben exakt 1000. Nicht ein Punkt mehr findet sich auf dem Rasterbild.

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Doch halt! Was erblicken wir daneben, auf der Wand?

Ein einzelner roter Punkt.

Ist das Bild etwa verkauft?

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Nichts da. Das System wird nicht verkauft. Auch einzelne Teile daraus nicht. Es ist und bleibt unbezahlbar.

Dennoch: Der Punkt ist da. Eintausend plus Eins. Die letzte Handlung zur Vollkommenheit, Lieblingsutensil der Galeristen. Das Ritual zum Abschluß. Das Mal prangt auf der Wand wie das Bindi bei verheirateten Inderinnen. Das Bild scheint untergebracht.

Der rote Punkt. Verkauft. Sichtbares Zeichen für alle: Der Künstler hat Erfolg, die Galerie ist gut im Geschäft. Alle sind glücklich (oder tun zumindest so). Perfekter Abgang.

—

Tausend grüne Punkte, ein roter. Das Märchen aus „Tausendundeiner Nacht“. Wo liegt das Glück? Bei den 1000 grünen Punkten? Auf der Kunst, beim Bild? Oder doch eher auf der Wand, bei der roten Markierung? Beim Verkauf, dem Umwandeln von künstlerischer Energie in weltliche Bedürfnisse?

Vermutlich beides. Kunst macht glücklich, wenn man sie macht. Kunst macht aber auch glücklich, wenn sie verkauft wird – sowohl den Künstler wie die Galerie. Ein drittes Element kommt hinzu: Kunst macht zudem glücklich, wenn man sie besitzt, sprich: den Käufer. Eine Win-Win-Win-Situation. Profitieren tut jeder.

Also, kauft Leute, kauft! Nicht das „System“, das bleibt unverkäuflich bis zum Ende meiner Lebtage, aber die Bilder aus der „Malfabrik“, dem Spin-Off – damit das große Ganze am Laufen gehalten wird (vielleicht hätte ich doch Galerist werden sollen, bei so viel Verkaufstalent).

—

40 × 25 = 1000.

Eintausend. Die magische Zahl für ein System, das „1000 Blatt zur Ewigkeit“ heißt. Vielleicht beginnt sie genau dort, die Ewigkeit: wenn alles verkauft wird (#034: 1000 DM-Zeichnung).

Die Million im Blick (#230: 1 Million) müsste jedes Blatt aus dem „System“ eigentlich 1000 Tacken kosten; früher DM, heute Euronen. Die Million wäre schnell erreicht (1000 × 1000). Doch würde das glücklich machen? Ganz ohne „System“, die künstlerische Seele verkauft?

Nein. Also bleibt der rote Punkt der einzige und zudem ein Symbol, das auf die falsche Spur führt. Verkauft wird nicht. Der Künstler stellt sich quer.
Bitte rufen Sie die Ambulanz!

167 – Mini-Atelier

Transportables Atelier
DIN A4, Kugelschreiber auf Papier, aufgeklebt, 1995

Das Atelier zum Tragen. Der Koffer für unterwegs.

Rechteckig, im DIN-Format. Praktisch. Gut.

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Für die Ölmalerei konzipiert, was die Abstandshalter verdeutlichen, die sich rechts und links befinden. Bemalte Leinwände können über zwei Schienen vertikal in den Koffer geschoben werden; ein Luftpolster verhindert, dass die frische Farbe leidet. Clever. Zudem können zwei frische Leinwände im Deckel verstaut werden.

Ansonsten ist alles da, was der Maler auf Reisen braucht: Pinsel, Pigmente, Leinöl, Terpentin, Lappen.

Dass es viel einfacher ginge, mit Tubenfarben beispielsweise, oder deutlich unkomplizierter: mit Acrylfarben, das hat der junge Baumeister offensichtlich vergessen. Der komplizierte Weg war damals der gangbare, das, was im Atelier Methode war, sollte auch draußen gelten. Es konnte nicht gut gehen.

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Der Künstler liebt die Unabhängigkeit. Der Künstler liebt das Reisen. Jede Seßhaftigkeit ist ihm Qual. Ein Widerspruch, der früh zu Konflikten führte.

Bis ins Alter von 23 tobte in mir der Kampf zwischen Dichter und Maler. Geschrieben wurde unterwegs; gemalt, wenn ich zuhause war. Da ich mehr unterwegs als zuhause war, drückte sich der Poet durch die kreative Rille.

Aber: Zum Schriftsteller nicht geeignet, das Geschreibsel höchstens auf Journalistenniveau, hängte ich den Stift an den Nagel und widmete mich völlig dem eigentlichen Talent: der Kunst.

Ich wurde seßhaft. Ohne Atelier keine Malerei, auf Reisen mit Skizzenblock und Aquarellfarben herumzuspazieren war nicht mein Ding. Es musste schon was „richtiges“ sein. Also die Idee mit dem tragbaren Atelierkoffer.

Er wurde nie gebaut, was vielleicht gut war. Jahre später bemerkte ich zum Entsetzen, dass die eigenhändigen Öl-Mischungen aus Pigment, Leinöl und viel zuviel Sikkativ zu höchst unliebsamen Ergebnissen geführt hatten: Die Farbe trocknete nicht und ich musste ganze Bildserien wegschmeißen.

Lehrjahre sind Lernjahre. Das war ein Teil davon. Die Ölmalerei wurde für lange Zeit ad acta gelegt, Sprayfarben und später das Acryl übernahmen die Regie.

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Heutzutage wäre solch ein Koffer wesentlich einfacher zu bauen. Tuben und Holzbretter rein, ein Wasserglas, Pinsel und Lappen dazu, fertig. Aber die Freiluftmalerei reizt mich nach wie vor nicht und den Plotter kriege ich ohnehin nicht auf tragbares Format.

Von daher: Nette Idee für den Romantiker, die Praxis überlasse ich dem Systematiker.

160 – Gewicht

Meßbare physikalische Größe (Gewicht des Systems)
8 x 5 x 5 cm, Metall, 1995

Das „Gewicht“ des Systems. Es lässt sich messen. Eine physikalische Größe, die im Unbekannten liegt.

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Die meisten Menschen kennen ihr Gewicht. Jedes Automobil wird gewogen. Containerschiffe, Wolkenkratzer, der Mond – jede Feinunze davon ist bekannt. Auf jeder Quartettkarte steht das Gewicht von Lokomotiven, Sportwägen oder Flugzeugen ganz oben.

Nur das Gewicht des „Systems“ ist unbekannt. Das sollte geändert werden. Die Größe, das Volumen, das verwendete Material oder eben das Gesamtgewicht einer Sache sind Außenkoordinaten, die bestimmt werden können.

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Doch: Wie mißt man? Und: Was mißt man genau?

Seit der Hängung im Port kommen 125 Holzrahmen dazu. Sind sie damit automatisch Teil des Systems? Müssen diese mitgewogen werden? Wie sieht es mit den Systemtürmen aus? Dort, wo alles lagert. Ein Teil des Systems?

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Logisch wären vier Stufen des Wiegens:
Kernsystem blank (ohne Rahmen)
Kernsystem (mit Rahmen)
A-System (ohne Rahmen)
alles (A-System, B-System, Rahmen, Systemtürme)

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Zwei weitere Frage stellen sich: Zählt die Waage, mit der gewogen wird, automatisch zum System? Muss deren Gewicht also dazu addiert werden?

Und: Wie verhält es sich mit dem „Systeminator“ (#238), also der eigenen Person? Der zentrale Knotenpunkt des Systems – dort, wo alles zusammenläuft: Mitwiegen, oder nicht?

Das eigene Gewicht müsste im Grunde rein in die Rechnung. Dann wird es allerdings schwierig: Weil es täglich schwankt. Das Ergebnis besäße nur temporäre Gültigkeit.

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Eine Aufgabe, die enormen Zeitaufwand benötigt und erst zu leisten wäre. Jede grobe Schätzung wäre zu ungenau, um künstlerisch wertvoll zu sein.
Das exakte Ergebnis – auf das Gramm genau! – sollte entsprechend präsentiert werden. Gestickt und im Goldrahmen womöglich. Jedenfalls mit an-„gemessener“ Würdigung.

Jedoch: Kaum wäre es dem System angegliedert, hätte man das Gesamtgewicht wieder verändert.

Eine Größe also, die sich ständig bewegt. So organisch, dass das Resultat mit jeder neuen Idee, jedem neuen Blatt oder Objekt, jedem Eingriff ein anderes wäre.

Launisch. Fragil. Wankelmütig. Eine quantenmechanische Vollkatastrophe.

Der „Don Quichotte“ des Systems: Ein Kampf gegen Windmühlen – permanent unerreichbar.

Völlig un(be)rechenbar. Eigentlich.

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Natürlich ist das Gewicht für das System und dessen Wirkung absolut irrelevant. Es ist etwas, was da ist, über das man sich aber keine Gedanken zu machen braucht. Ebenso wie die Luft, die man atmet oder die Gravitation, die uns am Boden hält. Man braucht es nicht zu untersuchen. Weil es auch so funktioniert.

Genau hier beginnt die Kunst.

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(Nebenbei war das „Gewicht“ während der Präsentation im Port genau jenes Objekt, das parallel im „Nagelkasten“ (#070) abgedrückt wurde. Es taucht also zweimal im System auf: einmal als Original-Kilo, einmal als Abdruck im „Fakirbett“, dem Volumenmesser mit den 2310 Nägeln.)

159 – 566

Transparenz des Papiers; Untersystem „Magische Zeichen“
DIN A4, Kopie auf Rückseite von Papier, 1995

Ein Blatt – ein Zeichen: Spiegelverkehrt auf die Rückseite kopiert. Das Blatt gedreht, das Zeichen scheint durch.
Das Verso wird erneut zum Stilmittel, wie bereits bei „Made in Germany“ (#072) und bei den „Sicherungen“ (#174).

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Sanft, fast traumwandlerisch drücken sich die seltsamen, an eine mathematische Gleichung erinnernden Linien durch die dünne Membran.
Das gedruckte Schwarz wird durch die Wendung zu einem leichten Grauwert, maximal 15% der Deckkraft lässt das Papier hindurch.

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Doch was bedeuten die Schnörkel nun?

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Das Konstrukt stammt aus einem Buch mit magischen Ritualen, voller sauber ziselierter, für den Unwissenden absolut unverständlicher Grafiken. Embleme, die sich aus Geraden, Rundungen, ornamentalen Linien, realen und abstrakten Buchstaben, aus Punkten, Häkchen, Ausbuchtungen und anderweitigen kalligraphischen Fantasien zusammenbauen.

Ein Kuriosum der Zeichenkunst, ein Sammelsurum absonderlicher Gestaltung. Eine Schatztruhe für den experimentierfreudigen Künstler.
‚Faszinierend!‘ würde erneut Mr. Spock sagen und tatsächlich sehen die aufgezeichneten Verrenkungen eher einem abgedrehten Alphabet von Außerirdischen ähnlich, denn von und für Menschenhand gedacht.

Trotzdem können Eingeweihte die Zeichen offenbar deuten. Davon gehe ich jedenfalls aus, ansonsten wären sie nicht in den alten Schriften zu finden. Es gab Zeiten, da gehörten sie zum Hausgebrauch.

Da ich dem exklusiven Zirkel selbst nicht angehöre (auch der Besitz sämtlicher „Sabbath“-Platten führt an dieser Stelle zu keiner höheren bzw. tieferen Erkenntnis), kann Zeichen #566 alles bedeuten: von „Rutsch mir den Buckel runter, Winkeladvokat!“ bis hin zu „HSV-Trainer sofort entlassen!“.

(Natürlich steht es im A-System genau an der Stelle, an der die Nr. 566 stehen muss, numerologisch korrekt. Aber das nur nebenbei.)
Wir wollen die Wirkung besser nicht wissen. Am Schluß würde der dazugehörige Zauberspruch das gesamte System in einen Hasen verwandeln oder in einem Paralleluniversum verschwinden lassen. Der leichtfertige Umgang von magischen Ritualen kann mitunter gefährlich sein, das wissen wir spätestens seit Harry Potter.

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Was bleibt, ist das Faszinosum eines außergewöhnlich poetischen Zusammenklangs, der so schon seine „magische“ Wirkung entfaltet. Rein künstlerisch betrachtet.

Es stammt aus einer Phase, als mich alles Überirdische ebenfalls fast magisch anzog: UFOs, Aliens, das Bermuda-Dreieck, Parallelwelten, Geisterwesen und Heinzelmännchen.

Im Laufe der Jahre kehrte Ernüchterung ein, aber ein klitzeklein wenig davon ist übrig geblieben, im mittlerweile systematisch geordneten Weltbild des Zauberers von einst.

„Salmei, Dalmei, Adomei“

156 – Kugelschreiber 3

Strukturanalyse des Schreibgeräts
DIN A4, Kugelschreiber auf Papier, 1995

Eine Serie innerhalb der Serie: Papier, vollständig bemalt mit Kugelschreiber. Monochromes Zeichnen.

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Klar definierte Aufgabe mit klarem Ergebnis: Blau. Jedoch: Ergebnis ist nicht gleich Ergebnis. Je nachdem, wie man den Stift über das Papier zieht, ist das Resultat zwar immer „Blau“, aber die Blätter unterscheiden sich deutlich voneinander.

Es stellt sich nicht mehr die Frage: „Was zeichne ich?“, sondern: „Wie zeichne ich es?“. Ein Vorgriff auf die Schablonenmalerei, wo es ebenfalls mehr um das „Wie“ als um das „Was“ der malerischen Auseinandersetzung geht.

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Man könnte z.B….
… in Schreibrichtung schraffieren (Kugelschreiber 1)
… von außen nach innen schraffieren (Kugelschreiber 2)
… spiralförmig schraffieren (Kugelschreiber 3 = vorliegende Version)
… vertikal linieren
… horizontal linieren
… diagonal linieren
… chaotisch zeichnen
… das Blatt komplett mit Buchstaben füllen (Zwischenräume ebenfalls)
… und so weiter und so fort.

Die Möglichkeiten dürften nahezu unendlich sein, das Ergebnis wäre in jedem Falle: ein monochromes Farbblatt. Die Betonung läge auf der Struktur der Zeichnung, nicht auf dessen Inhalt.

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Beim Einrahmen fiel mir auf, dass das Blatt durch das stete Rubbeln mit dem Stift größer geworden war: jeweils ca. 1 mm an allen Seiten, es passte nicht mehr in den DIN A4-Rahmen. Man hätte es beschneiden müssen, was ich natürlich vermied. Also wurde es ungerahmt mit Magneten an der Wand gehalten.

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Innerhalb des Systems eine Mini-Serie von bislang drei Zeichnungen, weitere könnten folgen. Eine äußerst meditative Arbeit, die viel Zeit verlangt. Ideal um nebenbei in Hörbücher einzutauchen.

The Big Blue.

Vielleicht ist es meine Liebe zum Meer und zur Südsee, weshalb die mit Blau durchwirkten Blätter eine fast magische Wirkung auf mich haben.
Wenn es eines Tages mehr Zeichnungen werden, eventuell bis zur systemrelevanten Zahl von 248 Blatt, böte sich eine parallele Präsentation beider Reihen an: das Kreuzen von „System“ und Kugelschreiberblättern – künstlerisches Spannungsverhältnis zwischen der Übersicht einerseits und dem Ausarbeiten eines Details daraus, ähnlich wie bei der Schablone (#030) und der daraus entstandenen „Malfabrik“.

Ich gehe das an, wenn ich auf ’ner einsamen Insel strande und nichts bei mir habe außer ’nem Stapel Papiere und ’ner Kiste voller Kugelschreiber. Monotonie in der Südsee – damit wäre sie aufgehoben.
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153 – Kern

System = Verdichtung der Welt; Kernystem
3,6 x 2,7 cm, Pfirsichkern, 1994

Der Kern zum „Kernsystem“. Komprimierung. Konzentration.

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Als das „System“ im Laufe der Zeit immer größer wurde, das Auslegen bei Präsentationen oft eine Stunde dauerte und immer häufiger nur noch Ausschnitte gezeigt werden konnten, zog ich im Frühjahr 1995 – eineinhalb Jahre nach seiner Geburt – die Notbremse. Das Ergebnis war eine „Best of“-Kollektion aus der zu diesem Zeitpunkt bereits über 800 Blatt umfassenden Arbeit – knapp über 200 Systemelemente, ein Viertel des Ganzen.
Das erste „Kernsystem“ wurde am 27. April 1995 im Bibliotheksvorraum der Hochschule für bildende Künste in Hamburg gezeigt – als Abschluss einer dreitägigen Dauerpräsentation, während der ich die Akademie nicht verließ und mit Schlafsack zweimal neben meiner Kunst nächtigte.
Zugleich war es das letzte Mal, dass das Groß- oder A-System in Gänze gezeigt wurde. Seit jenen Tagen hantiere ich hauptsächlich mit dem „Kernsystem“, entsprechend vertraut sind mir mittlerweile dessen Elemente, während der große Rest mehr und mehr in Vergessenheit gerät.
Aus dem „Kernsystem“ wurde ein Jahr später der „Kern des Kernsystems“ gezogen: 63 Elemente auf drei zusammengestellten Tischplatten (= DIN-Format), in der ungefähren Größe einer Plakatwand. Beschränkter Platz bei einer Ausstellungssituation verlangte danach. Dieses wird in unregelmäßigen Abständen ebenfalls gezeigt.

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Der Kern als Symbol des Lebens, jede Frucht trägt einen. Jede Pflanze hat ihren Samen, jedes Tier entsprechenden Sex. Er garantiert die Weitergabe der biologischen Struktur, das Fortbestehen der Art, die Weiterentwicklung und evolutionäre Anpassung bzw. Optimierung.
Auch der Mensch trägt diesen Kern in sich: In jedem Blutstropfen stecken unendlich viele Informationen zur Evolution, die DNA wird von Generation zu Generation weitergegeben, Erbanlagen sind auf ihr genauso gespeichert wie die gesamte biologische Entwicklung, seit Anbeginn des Lebens.

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Woher der vorliegende Kern stammt ist mir entfallen. Es wird von mir zwar als „Pfirsich“ ausgewiesen, aber eigentlich ist er dafür nicht zerfurcht genug. Für Avocado wiederum zu klein, für Mango zu dick. Es darf also gerätselt werden.

Das Prinzip bleibt aber immer gleich: Etwas Kleines in etwas Großem (#049: Matrjoschka), geschützt durch eine starke Hülle (#147: Tresor). Wird es gepflegt, bricht es auf und etwas Gewaltiges kann daraus entstehen (#030: Schablone).

Neues Leben – der Kreislauf der Natur.

149 – Leere Seite

Paradoxon
DIN A4, Inkjet auf Papier, 1994

Ein leeres Blatt. Nix drauf. Oder doch?

In der Mitte, ganz klein, in der minimalsten Schriftgröße steht: „Leere Seite“.

Der Titel der Arbeit, nicht daneben, sondern mitten drin. So klein wie Fliegendreck. Zählt das, oder bleibt das Blatt weiterhin „leer“?

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Ein Paradox, das sich nicht auflösen lässt.

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Die Leere als grundsätzliche Setzung. Das weiße Blatt Papier. Es ist schon da, bevor etwas kommt. Auch das zählt, auch das existiert, auch das macht Sinn, auch das ist „System“.

Die Grundbedingung für Kunst. Sie zu schaffen, ist eine hehre Aufgabe. Denn ohne das geschieht – nichts. Kann nichts geschehen. Ohne Papier verpuffen Gedanken und Ideen im materielosen Raum. Nur virtuell zu greifen. Schwer zu behalten. Noch schwerer zu kommunizieren.

Eine Präsentation allein mit leeren Blättern würde aus der Ferne fast aussehen wie das reale System. Erst beim Näherkommen würde der Unterschied ins Auge fallen. Nix drauf. Die Grundsubstanz aber, das große Ganze, die äußere Hülle würden bereits existieren – ohne dass ein einziger Gedanke aufgezeichnet worden wäre.

Ein Haus ohne Einrichtung, ein Gebäude ohne Wände. Trotzdem zum Anfassen. Man kann es betreten und durchschreiten, aber „blutleer“ (#177).
So wenig auf dem Blatt steht, so wenig es hergeben mag: Während der Präsentation im Port war die ‚Leere Seite‘ tatsächlich das einzige Element aus dem System, für das ich eine Anfrage bezüglich Verkauf erhielt. Bereits am Eröffnungsabend.

Dankend musste ich ablehnen: Das System wird nicht verkauft, nicht einmal sein unscheinbarster Anteil. Trotzdem eine schöne Bestätigung für das, was seit längerem klar ist: Minimalismus rules!

(geschrieben 2020)

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Ein leeres Blatt Papier. Die Basis des Systems.

Doch halt. Wer genau schaut, erkennt in der Mitte eine Störung in der sonst tadellosen Oberfläche. Schmutz? Ein Insekt? Schattenspiele? Oder nur optische Täuschung?

Nein. Da steht etwas. „Leere Seite“ steht da. So klein, dass es kaum zu lesen ist, aber dennoch klar und deutlich, wenn man den Kopf in Richtung Papier senkt.

Der Leser stutzt.

Leere Seite? Wie kann eine Seite leer sein, wenn da etwas steht? Die Aussage ist verwirrend.

Paradox.

Es ist die Kunst der Widersprüchlichkeit und zeigt die Grenze von Sprache auf. Wenn etwas benannt werden kann, was gar nicht stimmt, dann ist das Material, mit dem das geschieht, mit Vorsicht zu behandeln. In diesem Fall das geschriebene Wort.

Glaube nicht, was du liest. Glaube nur, was du selbst siehst (aber auch da sollte Vorsicht angebracht sein, Stichwort: Optische Täuschungen).

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Das weiße DIN A4-Blatt als Grundbaustein des Systems. Ideen werden darauf unmittelbar festgehalten. Eine eingeführte absolute Größe, die ungefragt aus dem Alltag übernommen wurde und im Regelfall selbst nicht weiter beachtet bzw. untersucht wird.

Trotzdem ruht auf ihr alles. Ohne Papier kein System. Wenigstens nicht in dieser Form. Von daher unbedingt eine Aussage wert. Das leere Blatt als Symbol. Als Grundbedingung meiner Kunst und des Systems, letztendlich von mir und der Welt.

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Widersprüche können Antriebsfedern für die Kunst sein. Jeff Koons „Balloon Dog“ ist ein klassisches Beispiel: Sieht aus wie aufblasbare Billigware, wurde jedoch in aufwändigem Prozess aus Edelstahl hergestellt. Im Jahre 2013 brachte einer dieser poppigen Pudel bei Christie’s in New York 43 Mio. USD. Das Paradox des Kunstmarkts.

Das System beherbergt ebenfalls Widersprüche. #172: „Malerei “wäre als Beispiel zu nennen. Die Malerei als Objekt. Oder das Blatt „Wolkenkratzer auf Berg“, als absurde Verdoppelung von etwas, das so keinen praktischen Sinn macht.

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Die Schrift, eine einfache Helvetica, wurde bis auf 3 pt. verkleinert, so dass sie mit halbwegs gesunden Augen gerade noch lesbar ist, wenn man sich über das Papier beugt. Ohne Hilfsmittel wie Lupe (oder am Bildschirm: Zoomfaktor). Eine Optimierung in Richtung Allerkleinstes wäre vorstellbar, sofern ein Drucker endsprechende Ergebnisse liefert.

Eines von wenigen Elementen im System, wo eine Edition vorstellbar ist. Ein Auflagenobjekt, das verkauft werden kann. Das System als solches ist prinzipiell unverkäuflich. Tatsächlich gab es speziell bei diesem Blatt bereits entsprechende Anfragen.

(geschrieben 2017)
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144 – Weiche

Wahlmöglichkeit; Eisenbahn-Installation
15,6 x 14,6 cm, Holz, 1994

Die Hobbies aus der Kindheit – irgendwann wurden sie alle aufgegeben: Die Stofftiere verschimmelten im Keller, die Briefmarkensammlung wurde verkauft, die Eisenbahn gegen ein Schlagzeug getauscht.

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Die Eisenbahn – sie wechselte über die Jahre mehrmals Aussehen und Größe: Von der blauen LEGO-Anlage über Märklins „mini-club“ (in der damals kleinsten Spurweite Z), bis hin zur handlichen, mit etwas mehr Komfort und Zubehör ausgestatteten Spurweite N (Maßstab 1:160), war alles dabei.

Vor all diesen Anlagen existierte eine weitere, die „Ur-Eisenbahn“, die in der Erinnerung gerne vergessen wird und schon bald aus der Mode kam, da sie sich von den nachfolgenden in einer Eigenschaft gravierend unterschied: Sie fuhr nicht von alleine. Man musste Loks und Waggons anschieben, was sie spätestens im Alter von 4 komplett uncool machte.

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Als ich mit 40 anfing, die Lieben von damals neu zu entfachen (wie man das so macht als Mann in der Mitte des Lebens), ich mir sowohl die Burgen-und-Schlösser-Briefmarken-Sammlung aus den 1980er-Jahren erneut besorgte, als auch das 20 Jahre zuvor gegen Reisegeld eingetauschte Schlagzeug, kam man automatisch irgendwann zur Modelleisenbahn.

Die Holzweiche war schon länger Bestandteil des Systems, so dass sich die Frage nach der Art der Anlage nicht lange stellte: Die allererste BRIO musste es sein. First love is real love.

Mittlerweile hat das Holzteil mächtig aufgerüstet: Die Loks werden mit Batterie betrieben, es gibt ferngesteuerte Weichen und selbstfahrende Seilbahnen. Kein Vergleich mehr zum reinen Handbetrieb in Kindertagen.

Wow!

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Es ist neben der Schablone das meist ausgebaute Element im System. Zwei große Alu-Boxen voll mit Material warten auf fleißige Erbauer, das ganze Atelier kann mit Schienen belegt werden. Vor vielen Jahren war die Anlage dekorativer und besonders bei den jüngsten Gästen beliebter Bestandteil eines jeden Geburtstagstisches. Der ein oder andere Leser mag sich daran erinnern.

Eine Bodeninstallation in Kombi mit dem Rest des Systems schwebt mir schon lange vor: Blätter, die zusammen passen, könnten so verbunden werden, mit der „Murmelbahn“ (#242) würde man Tunnels bauen und wenn das rollende Material knapp wird: mit der Schablone (#030) wäre es ein einfaches, dieses zeichnerisch nachzuliefern.

Das Träumen von noch größeren Dimensionen sei ebenfalls erlaubt: „Das Labyrinth“ (#125) wäre mit Sicherheit einen Ausflug in die Schienenwelt wert, genauso wie die „Eisenbahn-Zeichnung“ (#010), die bis heute darauf wartet, realisiert zu werden – 40 Jahre nach ihrer Entstehung.
Tut tuut!

133 – Opalka mit Worp-Antrieb

Grenze der Technik: nur per Hand möglich!
DIN A4, Kugelschreiber/Tinte auf Papier/Klebezettel, 1994

Roman Opalka (1931–2011) war ein polnischer Konzeptkünstler, der 1965 damit anfing, Zahlen auf Leinwände zu schreiben. Beginnend mit der 1 zählte er mit dem Pinsel aufsteigend immer eins weiter, bis zur 5 607 249 – er pinselte sie an seinem Todestag.

233 großformatige Bilder hat er zeitlebens mit Zahlen gefüllt. Ab 1972 wurde zudem jede Leinwand um ein Prozent heller grundiert, bis er fast weiß auf weiß schrieb. Ein mächtiges Sinnbild der Vergänglichkeit des menschlichen Lebens.

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Opalka zählte 1, 2, 3 usw., bis er bei über 5 Mio. angekommen war. Dafür benötigte er fast 46 Jahre. Ein in seiner Konsequenz einmaliges Werk, das neben On Kawara zu den wichtigsten Positionen der Konzeptkunst zählt.

Was aber geschieht, wenn man von der 2 direkt zur 4 weiterzählt? Die Zahl also verdoppelt, statt stupide immer nur 1 zu addieren?

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Eine klitzekleine Änderung, mit gewaltiger Wirkung:

Bereits mit der 24. Zahl, nach der 23. Verdoppelung, hätte man Opalka überholt (8 388 608). Dafür braucht man höchstens 2 Minuten. Der Warp-Antrieb macht’s möglich.

Nach 63 Verdopplungen landen wir bei der bezaubernden Zahl von 9.223.372.036.864.775.808 = 9 Trillionen, 223 Billiarden, 372 Billionen, 36 Milliarden, 864 Millionen, 775 Tausend, 808.

Soviele Reiskörner schuldete der indische Kaiser Sheram dem Erfinder des Schachspiels Zeta, der den berühmten Wunsch äußern durfte:
„Gebieter befiel, mir für das erste Feld des Schachbrettes 1 Reiskorn auszuhändigen, 2 Körner für das zweite Feld, 4 für das dritte und für jedes weitere Feld doppelt so viele Körner wie für das vorhergehende“.

Bekanntermaßen sprengt diese Rechnung jegliche Kornkammer, der Kaiser hätte Zeta die Reisernte der gesamten Welt von 873 Jahren aushändigen müssen (Stand 2006).

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Nach 76 Verdopplungen, mit der 77. Zahl, landen wir bei 75.557.871.725.914.323.418.496, über 75 Quadrillionen. Spätestens jetzt versagt jeder Taschenrechner. An dieser Stelle beendete ich den Flug in den Zahlen-Kosmos. Es passt alles auf ein einziges DIN A4-Blatt.

Hätte Opalka statt „Eins-Zwei-Drei“ also „Eins-Zwei-Vier“ gezählt, er wäre bis weit hinter die benennbare Grenze der Mathematik gestoßen. Der Charme des Ganzen wäre verloren gegangen. Deshalb sind wir froh, dass einer vor uns sein Leben dem (langsamen) Zählen widmete, wir müssen es nicht mehr tun und können uns mit anderen Aufgaben beschäftigen.

Z.B. errechnen, welche Ziffernfolge herauskäme, wenn wir die Zahl 1 insgesamt eintausendmal verdoppeln. Das ist eher nach meinem Geschmack und entspräche zudem mehr dem System-Charakter. Dieser Ritt liegt noch vor mir, es könnte eines Tages der nächste Ausstellungstitel werden.
Opalka mit Warp 10 sozusagen. Scotty, übernehmen Sie!

129 – Enterprise

Komplexe Analyse der Welt durch seriellen Charakter; Pop-Up
13,4 x 13,4 x 13,4 cm, Klappkarte, bedruckt, 1994

Raumschiff Enterprise (TOS) als Geburtstags-Klappkarte:

THERE IS NO ESCAPE FROM YOUR BIRTHDAY
THERE IS NO GOING BACK

Ausgangspunkt ist die Folge „City on the Edge of Forever“ (Griff in die Geschichte) aus der ersten Staffel (1967), in der Pille in einem Zustand geistiger Umnachtung durch ein Zeitportal in die 1930er Jahre springt.

Sie gilt allgemein als beste Star Trek-Folge, die je gedreht wurde.

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Eines der wenigen Elemente, das alle vier Aspekte des Systems abdeckt. Exemplarisch sei erläutert, warum:

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Aspekt: Malerei.
Diese Deko. Diese Farben. Pop-Art im Weltraum. Schon lange wundert es mich, dass die Serie nicht viel mehr Künstler, speziell Maler, zu irrsinnigsten Kreationen inspiriert hat. Oder bin ich einfach zu doof, es zu erkennen?

Jedenfalls: Wäre ich ein richtiger Maler – so ein klecksender, wilder, mit Farben um sich schmeißender Typ – das wäre die Quelle, aus der ich trinken würde. Einstellung für Einstellung, Folge um Folge. Was für eine Show. Ideal als Vorlage.

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Aspekt: Material.
Das Pop-Up. Eine weitere Möglichkeit, kreativ mit Papier (bzw. Pappe) umzugehen. Eine ganze Branche beschäftigt sich ausschließlich damit. Unglaubliche Arrangements sind das Ergebnis: Dreidimensionale Objekte, versteckt zwischen Pappdeckeln, denen von außen nicht anzusehen ist, was sich darinnen verbirgt. Erst wenn man sie aufklappt, erblühen ganze Landschaften, fein ziselierte Schiffskörper oder anderweitiges Spektakel.
„Faszinierend!“, würde Mr. Spock sagen.

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Aspekt: System.
Die Serie als Grundprinzip künstlerischen Arbeitens. Dieselben Figuren, in ständig wechselnder Umgebung, in immer neuen Geschichten: Einfache Spielregeln, die das Maximum an Ideenfindung und Kreativität verlangen. Eines baut auf dem anderen auf, die Summe ist mehr als das einzelne Teil.
Das System funktioniert nach einem ähnlichen Prinzip, die Malfabrik wedelt bereits aus der Zukunft mit den Schablonen.

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Aspekt: Zeit.
Der persönliche Bezug. Die Serie entstand quasi mit mir, in den Jahren zwischen 1966–1969. Das ZDF strahlte die Folgen ab 1972 aus. Parallel dazu lief in der ARD immer die Sportschau, weshalb ich nur selten in den Genuss kam, sie zu sehen; nur dann, wenn ich bei Freunden war, die weniger fussballfixiert waren wie ich. Erst in den 1990ern holte ich das Versäumte nach, angefixt von Captain Picard mit der neuen Enterprise (TNG). Seither bin ich großer Fan und eingefleischter Trekkie, kenne sämtliche Folgen.

121 – Schach

System mit nahezu unendlichen Möglichkeiten
14,5 x 13,3 cm, Plastik, 1994

Das Schachspiel: Ein System unter Systemen. Einfacher Aufbau, einfache Regeln – seit Jahrhunderten. Das simple Geheimnis dieses wahrhaft königlichen Spiels.

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Auch ich war ihm sofort verfallen. Mein Opa (Klassiker: wer sonst?) lehrte mir die wichtigsten Züge im Alter von sechs. Das Prägendste, was mich an ihn erinnert. Er starb, als ich 16 war.

Etwa in dieser Zeit verbrachte ich ganze Nächte spielend am Brett, mit einem Kumpel in der Pfalz. Wir fingen früh abends an und hörten früh morgens auf. An Schlaf war nicht zu denken, die Figuren tanzten noch den ganzen Tag in unseren Köpfen, es hatte tatsächlich Suchtpotential. Das ging ungefähr zwei Jahre so.

Bereits vorher war das Magnetschach ständiger Begleiter auf sämtlichen Radtouren, sei es im Odenwald, im Schwarzwald, im Pfälzer Wald oder auf der mehrwöchigen Fahrt anno 1981, von Vorarlberg über den Bodensee zurück in die Kurpfalz. Neben Karten spielten wir damals Schach. Reihum. Jeder gegen jeden, es wurden Listen geführt. Wir waren alle ziemlich gleich stark, einer gewann trotzdem immer.

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8 x 8 = 64. Eine magische Zahl, nahezu perfekt.
2 hoch 6 = 64
4 hoch 3 = 64
Teilbar durch 1, 2, 4, 8, 16, 32.

Ein Würfel mit einer Seitenlänge von vier würfelförmigen Einheiten besteht aus 64 Steinen. Ein Hexaeder.

Das I Ging, der älteste der klassischen chinesischen Texte, besteht aus 64 Hexagrammen. Seine Ursprünge führen bis ins 3. Jahrtausend v. Chr. zurück.

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Mein Geburtsjahr ist 1964. Auf den letzten Drücker, am letzten Tag: Silvester. Einen Tag später wäre ich Jahrgang 1965. Das würde mir deutlich weniger gefallen. So bin ich froh, als Silvesterkind geboren zu sein, auch wenn mich dieser Geburtstag oft genug geärgert hat. An Neujahr geboren zu werden, dazu im „unrunden“ Jahr 1965, es hätte noch schlimmer kommen können.

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Ursprünglich hatte ich mir in Hamburg in einem Spezialladen – extra für das System – ein schönes Holzbrett mit schönen Figuren gekauft, klassisch in heller und dunkler Maserung.

Dieses Schachspiel lag jahrelang im System, bis mir das Magnetschach eines Tages wieder in die Hände fiel. Also genau jenes Spiel, mit dem ich als Jugendlicher aufgewachsen bin, zu dem ich am meisten Bezug habe.

Das neue Schach wurde durch das alte ersetzt, obwohl billiger, einfacher, wesentlich kleiner. Aber es drückt viel mehr an Authentizität und persönlicher Erfahrung aus als es jedes noch so teure „edle“ Schachspiel jemals könnte.

Ein Hinweis darauf, wie das System funktioniert: Wenn möglich, immer das Original. Immer der Gegenstand bzw. die Zeichnung, die zuerst da war. Nur in Notfällen darf zugekauft werden.

118 – Dalmatiner

Grenzbild realer bzw. abstrakter Wahrnehmung
19,5 x 29,7 cm, Inkjet auf Papier, 1994

Eine Frage der Wahrnehmung. Wie im Leben, so auch in der Kunst.

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Was ist abgebildet?

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Die einen sehen nur schwarze Flecken, ungleichmässig verteilt, auf weißem Grund. Andere erkennen – mal früher, mal später – in der rechten Bildhälfte einen Dalmatiner, der am Boden schnüffelt. Links dahinter etwas Pflanzliches, einen Baum vielleicht oder eine eingefasste Grünfläche, irgendetwas, das einen runden Schatten spendet. Der größte der schwarzen Flecken kann so interpretiert werden.

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Wie kommt das? Was ist wirklich da?

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Formal betrachtet nur schwarze Flecken. Würde man jeden einzelnen davon etwas verrücken und aus dem Gleichgewicht bringen, es würde beim abstrakten Bild bleiben. Niemand würde darin einen Hund erkennen.

Mit etwas Übung jedoch summieren sich die abstrakten Flecken zu einer räumlichen Darstellung. Etwas, das uns bekannt vorkommt. Unser Hirn schafft tatsächlich den Spagat zwischen erlerntem Bild und (stark) abstrahierter Darstellung, indem es die fehlenden Teile ergänzt und zu einem sinnvollen Ganzen zusammenbaut. Faszinierend.Das wirft ein besonders Licht auf die Malerei.

Denn: Was ist Malerei?

Nichts anderes als Flecken. Farbflecken, die sich summieren. Selbst wenn Berge, Tiere, Menschen oder irgendwelche Gegenstände erkennbar sind, die rein physische Grundsubstanz der Malerei bleiben: Pigmente. Farbige Staubkörner.

Diese werden in einer bestimmten Konstellation zusammengesetzt, damit ein (für unser Hirn) sinnvolles Gesamtbild entsteht. So lief das über Jahrhunderte. Die gesamte realistische Malerei funktioniert so.

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Alles andere leistet unser Gehirn.

Die abstrakte Malerei hebelt diese Ordnung auf. Farbflecken dürfen auf einmal Farbflecken sein. Sie dienen keinem höheren Zweck mehr, sie müssen sich nicht unterordnen, sie dürfen einfach sie selbst sein: Pure Farbe, reine Energie, von (Be)Deutungen befreit.

Das ist die große Leistung der Malerei seit über 100 Jahren.

Die entscheidende Frage seitdem spielt sich zwischen Herz und Hirn ab: Was überwiegt? Wieviel Bedeutung bekommt die Farbe, wie stark gewichte ich den Inhalt bzw. wieviel Wiedererkennbarkeit der Formen lasse ich zu?

Nachdem sich die reine Abstraktion über Jahrzehnte austoben dufte, nähert sich die moderne Malerei dieser grundsätzlichen Frage zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion auf neue Weise an, oft mit technischen Hilfsmitteln wie Computer, Beamer oder Projektor. Sie verwurstet beides und beweist damit endgültig, was Malerei ist: Nichts anderes als kunstvoll zusammengebaute Farbflecken. Im Kern abstrakt.

108 – FC Bayern

Optimierung, das Anti-Anti-Prinzip
Metalldose, Durchmesser: 9 cm, 1994 (optimiert ca. 2006)

Das Bayern-Emblem: Eine leere Bonbon-Dose hat den ursprünglichen Stoffaufnäher ersetzt. Ein Objekt, das den meisten Betrachtern sofort auffällt, lange im Gedächtnis bleibt, das grösste Rätsel im gesamten System aufgibt.

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Wie kann es sein, dass dieser Künstler mit seinem Lieblingsbuch „Meuterei auf der Bounty“ (#031), dessen politische Drift eher „links gemacht“ statt „rechts gedacht“ (#085) einzuordnen ist, der nicht unbedingt im Verdacht steht, Mehrheitsmeinungen hinterherzulaufen, wie kann es sein, dass solch ein Typ Bayern-Fan ist?
Es kann.

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Es wäre einfach zu behaupten: Es war schon immer so, es bleibt so. Immerhin begleitet mich der Verein seit Anfang der 1970er-Jahre. Doch das wäre nur die halbe Wahrheit.

Im FCB spiegelt sich ein gutes Stück meiner selbst.

Der Anspruch, immer das Beste leisten zu wollen, die ständige Optimierung, die regelmässige Erneuerung, ja, manchmal auch die Härte, Verbissenheit und Unnachgiebigkeit, dieses unbedingte „Muss“, all das könnte man genauso gut auf das System übertragen. Folglich auf mich.

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Was wurde ich für die Liebe zu diesem Verein schon gescholten. Das fing bereits in der Kindheit an. Obwohl sich alle anderen Fans gegenseitig die Köpfe einschlugen, bei einem waren sie sich einig: Alle gegen die Bayern! Das reizte erst recht.

Die Positionierung fand früh statt. Stuttgart, Schalke, Frankfurt, Lautern, bei meinen Kumpels war alles dabei. Mit dem Bayern-Trikot lief ich als einziger durch die Gegend. Das war auch gut so, anders hätte es nicht funktioniert.

Natürlich spielte die Tatsache eine entscheidende Rolle, dass Anfang der 1970er mit den Bayern und Mönchengladbach zwei Vereine permanent im TV rotierten, die über die besten Spieler verfügten, die Deutschland jemals zu bieten hatte. Bis heute sind Müller, Breitner, Netzer, Sepp Maier & Co. legendär.

Mein Vater war im eigentlichen Sinne kein Bayern-Fan, aber sein absoluter Hero war Franz Beckenbauer. Hätte der bei Wormatia Worms gekickt, wäre er vermutlich Fan der Rheinhessen geworden. Aber sein Star spielte bei den Bayern, die emotionale Nähe zu diesem Verein war die logische Folge. Das färbte auch auf mich ab.

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Es gab Zeiten, da orientierte man sich schon aus purer Langeweile in andere Richtungen:

Wegen der Vereinsfarben Schwarz und Rot war ich kurzzeitig Nürnberg-Fan, das ging auf Dauer aber nicht mit den Bayern zusammen.
Irgendwann lief mir eine Kaffeetasse der Arminia aus Bielefeld über den Weg, also drückte ich eine Saison lang den Westfalen die Daumen.
Während des Studiums in Hamburg entwickelte sich eine Sympathie zum FC St. Pauli. Die standen einem auch politisch näher als der Rest.
Liebe wurde es nie. Liebe empfand ich immer nur für „meine“ Bayern.

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Die Bayern haben also mehr mit mir zu tun als manch einem lieb sein mag. Um dem Ganzen vollends die Krone aufzusetzen, mein Lieblingsfußballer war und ist – bis heute: Uli Hoeneß.

104 – Steckbrief

Spitzen ausgewählter Sinnesreize („Lieblingsliste“), sichtbar und unsichtbar
2 x DIN A4, Kugelschreiber auf Papier, 1994/1982
DIN A6, Papier in Kuvert, hinten bestempelt, 1994

Die Lieblingsliste. Geschrieben 1982. Mit 17. Wie das damals alle gemacht haben. Lieblingsfarbe, Lieblingsessen, Lieblingsband (ganz wichtig!), Lieblingsfilm, Lieblings-Kleidungsstück usw.

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Die Liste fiel mir 1994 erneut in die Hände. Mittlerweile waren 12 Jahre vergangen. Manches hatte sich verändert, erstaunlich vieles war geblieben. Also schrieb ich die Liste erneut, versiegelte sie in einem Briefumschlag und ließ es auf der Post in Hamburg abstempeln.

12 Jahre später wollte ich den Prozess wiederholen, das Kuvert öffnen, die Liste erneut schreiben. So die Dynamik der persönlichen Spitzenreiter durch das eigene Leben verfolgen. Alle 12 Jahre wieder.

Es kam nie dazu. Zuviel Zeit war vergangen. Die Liste wurde vergessen. Allzuviel hätte sich eh nicht verändert. Die meisten Prägungen ziehen sich durch das gesamte Leben. Allenfalls beim Lieblingsfilm hätte es – wie ca. alle 10 Jahre – einen neuen Tabellenführer gegeben.

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Die Liste von 1982 jedenfalls weist aus heutiger Sicht einige Kuriositäten auf, die nicht unerwähnt bleiben sollen:
Gewicht = „70 kg“. (Wow! Wie hatte ich das damals bloß geschafft?)

Lieblingsgruppe: „Black Sabbat“ (falsch geschrieben!) und „Blue Oyster Cult“ (diese Band ist völlig aus dem Fokus verschwunden).
Lieblings-LP (LP wohlgemerkt, nicht CD): „Rainbow, Rising“ (das hat sich tatsächlich bis heute gehalten).

Lieblingsfarben: „schwarz“ und „rot“ (nee, mittlerweile grün). Lieblingsfilm: „Der unsichtbare Dritte“ (Hitchcock), „Die Klapperschlange“ (Carpenter), beide immer noch unter meinen absoluten Lieblingen, weitere 300 sind hinzugekommen.

Hobbies: „Briefmarkensammeln (zur Zeit in Ruhe)“, „Filme anschauen“, „Musik hören“, „malen“ (soso!).

Berufsvorstellung: „Bildender Künstler, sprich Maler“ (jetzt wird’s konkret!), „Musiker“ (das wurde von allen künstlerischen Medien damals deutlich am offensivsten betrieben) und (man höre und staune): „Parapsychologe“ (!!).

Lieblingsbuch: „Meuterei auf der Bounty“ (klarer Fall!).

Vorbilder: „mein Onkel Dieter“ (ohjeh) und „Udo Lindenberg“ (achdujeh).

Unter „was ich mag“ folgende Entdeckung: Neben „bei Mondschein volle Pulle gute Musik hören“, „Zugfahren“, „Schokolade“, „Bahnhöfe“, „Nachtwanderungen“, „Lehrer verscheißern“, „Briefe schreiben“, „Lagerfeuer“, „Romantik“, „Greenpeace“, „Gewitter“, „alle Tiere (außer Bremsen)“, steht da doch tatsächlich: „Liebe“ und „DICH“ (Großbuchstaben!).

Aha.

Die Liste sollte also einen Zweck erfüllen. Sie war an ein Mädchen gerichtet. Vermutlich war der (Freß)Zettel die Generalprobe, das Original wurde in etwas schönerer (und hoffentlich lesbarer) Schrift der Herzensdame übergeben.

Genutzt hat es scheinbar wenig, ich weiß heute nicht einmal mehr ihren Namen. Hach, ewige, alles verklärende, überschwängliche Jugend!

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2018 wäre der nächste Termin, die Liste neu zu schreiben, nachdem 2006 ausgefallen ist. Man darf gespannt sein, welche Kuriositäten sich in dem Umschlag von 1994 befinden.

096 – Mensch ärgere Dich nicht

Vier Grundprinzipien = Vier Grundfarben
22,8 x 22,8 cm, bedruckter Karton, 1994

Die vier Grundfarben. Meine persönliche Farbtheorie.

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Rein physikalisch betrachtet gibt es in der Malerei drei Grundfarben: Blau. Rot. Gelb. Genauer genommen: Cyan. Magenta. Yellow. Theoretisch lassen sich daraus alle anderen Farben mischen, sogar Schwarz. Mit dem Weiß des Bildträgers würde das gesamte Farbspektrum abgedeckt.
Theoretisch.

Praktisch, das wissen wir Maler, sieht die Sache anders aus. Aus diesem Grund bieten die verschiedenen Herstellerfirmen die ganze Palette unterschiedlicher Farbtöne an, was das Leben als Künstler nicht nur erheblich erleichtert, sondern auch bedeutend spannender macht.

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Allerdings: Betrachtet man die Farbtheorie von der psychologischen Seite, werden die bekannten drei Grundfarben durch eine vierte Farbe ergänzt: Grün.

Zwar lässt es sich aus Gelb und Blau mischen, ist im strengen Sinne also keine Grundfarbe, dennoch besitzt es in der alltäglichen Verwendung, in der allgemeinen Betrachtung eine ähnlich große Bedeutung wie die übrigen drei.

Grün ist die komplette Pflanzenwelt. Grün ist das junge Leben. Grün ist die Hoffnung. Grün bedeutet Freie Fahrt. Grün ist die Mitte jeder Insel (außer bei den Atollen). Grün ist Werder Bremen.

Grün sind bei mir sämtliche Papierkörbe, alle Plastikkisten, viele Handtücher, das Bettlaken, die Schutzhülle des Handys; früher war es sogar der Computer. Kein Wunder also, dass Grün meine Lieblingsfarbe ist.

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Ich war schon immer ein Spieler. Das Mensch-Ärgere-Dich-Nicht ist nur eines von vielen Beispielen, wie ich mir bis heute am liebsten die Zeit vertreibe.

Im System sind außerdem verankert:

Geschicklichkeits- oder Denkspiele: Das Schach (#121), der Jenga-Turm (#176), die Memorykarte (#143), die Zaubertafel (#146), das Puzzle (#213) und der Kreisel (#170).

Spiel als System: Die Modelleisenbahn (#010: Eisenbahn-Zeichnung, #103: Mini-Nudes, #144: Weiche, #151: Kreuzung), das Tangram (#102) und die Murmelbahn (#242).

Sportliches Spiel: Fussball (#050: Fußballfeld, #108: FC Bayern, #162: Fußball-Mannschaft), Darts (#219) und Basketball (#234).
Glücksspiel wird durch das Rubbellos (#016) symbolisiert, durch den Lotto-Schein (#026) und den Entscheidungswürfel (#233). Das Leben als Spiel, die Welt ein einziger großer Spielplatz.

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Vier Grundaspekte liegen dem System zugrunde. Jedem Aspekt wird eine Farbe zugeteilt: Rot = Malerei. Grün = Material. Blau = System. Gelb = Zeit/persönlicher Bezug. Als ‚Rosenkranz‘ wird die farbliche Zuordnung selbst Teil des Systems (#173)

092 – Gefaltetes Blatt

Komprimierung durch Falten; Verbergen; Geheimnis
5,4 x 4,1 cm, Papier, gefaltet, 1994

Wie oft kann ein Blatt Papier gefaltet werden?

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DIN A4. Die erste Faltung ist einfach: DIN A5. Die zweite Faltung lässt das Blatt auf Postkartengröße schrumpfen. Die dritte Faltung passt bereits in Kleidungstaschen: Auf diesem Spielkarten-Format werden alle Gedanken zum System verewigt; einen solchen Zettel trage ich ständig bei mir (135: 8-fach-Zettel).

Von nun an ist es schwieriger, das Blatt wird zunehmend dicker. Die vierte Faltung verwandelt es ins Visitenkartenformat, mit der fünften erreichen wir Briefmarkengröße (wie im System vorgestellt).

Ein sechstes Mal ist noch möglich, für die siebte Faltung brauchen wir bereits starke Hände. Ein achtes Mal ist ohne technische Hilfsmittel nicht mehr durchführbar. Offiziell gilt ein DIN A4-Blatt nach der 7. Faltung als „ausgefaltet“.

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Denkt man das Spiel im abstrakten Raum weiter – rein theoretisch – erreichen wir nach der 103. Faltung Universums-Dicke, ausgehend von einer Papierstärke von 0,099 Millimeter. Das Prinzip der ständigen Verdoppelung greift auch hier (#121: Schach; die Sache mit dem Reiskorn).
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„Zehnmal falten und das Blatt ist schon 10 Zentimeter dick. Und jetzt geht es ganz schnell. 24 Mal falten und das Blatt ist 1,6 Kilometer hoch. 100 Kilometer haben Sie schon mit 30 Faltungen erklommen. Ihr Blatt reicht nun in den Weltraum. Beim 42. Falten haben Sie den Mond erreicht. Wenn Sie das Papier 51 mal falten, sind Sie bei der Sonne angekommen und Ihr Blatt Papier ist nun über 220 Millionen Kilometer dick.

Wie weit können Sie gehen?

Einem französischen Supercomputer zufolge hat das beobachtbare Universum einen Durchmesser von etwa 93 Milliarden Lichtjahren. (…) Wenn Sie das Blatt 103-mal Falten, ist es unglaubliche 1003979275380757685985388,9 Kilometer dick oder umgerechnet 106 Milliarden Lichtjahre. Damit haben Sie den Rand des Universums überschritten.“ (Quelle: Focus)

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Die Anzahl tatsächlich durchführbarer Faltungen kann etwas erhöht werden, indem man das Blatt vergrößert, z.B. von A4 auf A0. Statt dabei allerdings von 7 auf 11 Faltungen zu kommen (was rein rechnerisch möglich wäre), ist es de facto nur eine einzige mehr. Selbst Profifalter kommen maximal auf 9.

Das Problem beim Falten: Die Umschlagkante.

„Die übereinanderliegenden Lagen werden irgendwann höher, als es die Seitenlänge des zu faltenden Papiers zulässt. (…) Aber selbst, wenn es keine störende Umschlagkante gäbe, hätte man schnell ein Problem: Schon nach neun Faltungen müsste man 512 Blätter auf einmal umknicken – soviel wie in einem gewöhnlichen Paket Papier ist, wie man es für den heimischen Drucker kaufen kann.“ (Quelle: ARD)

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So einfach, so kompliziert. Das ganze Universum, verpackt in einem Blatt Papier (rein theoretisch). Außerdem kann die komplette Gegenstandswelt daraus gewonnen werden, mit entsprechenden Falzen und Schnitten (siehe Origami). Schlichte Eleganz. Wer hätte das gedacht…?

084 – Der geringste Zweifel könnte tödlich sein

…
DIN A4, Bleistift auf Papier, 1993

Als alter Trekkie ist das System durchzogen von meiner Lieblingsserie. Schon Systemelement #027 (Poesie ist hier nicht erwünscht) zitiert Spock, die #129 (Enterprise, Geburtstagskarte) huldigt ihr ebenfalls.

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„Der geringste Zweifel könnte tödlich sein“ zitiert abermals Mr. Spock. Diesmal aus einer Folge von 1968: „Spectre of the Gun“ (zu deutsch: Wildwest im Weltraum). Hier wird die Crew auf einen seltsamen Planeten verbannt, der ein surreales Spiegelbild des Wilden Westen darstellt.
Wir schreiben den 26. Okt. 1881. Tombstone, Arizona.

Die Clantons stehen kurz vor dem sagenumwobenen Shootout am O.K. Corral mit den Earps und Doc Holiday. Aus irgendwelchen Gründen findet sich die Crew der Enterprise in der Rolle der Clantons wieder und versucht verzweifelt aus dieser für sie mit Sicherheit tödlichen Falle zu entkommen.

Nach mehreren Versuchen, die allesamt fehlschlagen, kommt Spock der entscheidende Gedanke. Czekov ist kurz vorher von Morgan Earp erschossen worden, das tödliche Duell am O.K. Corral rückt immer näher. Dann entspinnt sich folgender Dialog zwischen Spock, Kirk und dem Doktor:

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Spock: „Ich meine, dass wir konfrontiert sind mit einer gewissen Scheinwelt, die absolut in Widerspruch steht mit der Wirklichkeit. (…) Was meinen Sie, hat Mr. Czekov getötet?“

Pille: „Ein Stück Blei im Körper.“

Spock. „Ganz falsch. Es war allein sein Geist. (…) Physikalische Realität beruht auf universalen Gesetzen. Aber wenn diese Gesetze außer Kraft sind, gib es auch keine Realität. Hier ist alles irreal.“

Pille(erregt): „Was heißt hier irreal? Ich habe den Tod von Mr. Czekov festgestellt.“

Spock: „Aber diese Feststellung, lieber Doktor, fand unter falschen Voraussetzungen statt. Wenn unsere Sinne etwas für real halten, dann glauben wir auch daran. Sobald wir von der Realität einer bestimmten Situation überzeugt sind, werden wir uns dementsprechend verhalten. Wir hielten die Bleikugeln für real. Ebenso die Revolver. Logischerweise konnten sie dann auch töten.“

Kirk: „Czekov ist also nur tot, weil er geglaubt hat, die Bleikugeln sind echt. (…) Wenn wir nicht an die Kugeln glauben, ich meine, an ihre Realität, dann können sie uns auch nicht töten.“

Spock: „Sehr richtig. Ich sehe, Sie haben das Problem erkannt. Sie können uns nicht das geringste anhaben.“

Kirk: „Wir müssten alle so sicher sein wie Sie, Mr. Spock, um unser Leben zu retten.“

Spock: „Das müssten Sie.“

Pille: „Das ist doch unmöglich. Da bleibt immer ein Zweifel.“

Spock: „Das darf eben nicht sein. DER GERINGSTE ZWEIFEL WÄRE TÖDLICH.“

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Danach verschmilzt Spock seine Gedanken mit denen der anderen, wobei er folgendes beschwört:

(zu Scotty): „Glaubt das, was ich glaube. Eure Gedanken folgen meinen Gedanken.“

(zu Pille): „Die Bleikugeln sind nicht real. Sie sind körperlos. Reine Illusion, keine Substanz. Schatten, nicht mehr. Glauben Sie daran, kein Zweifel. Sie können nicht Eure Körper durchdringen. Weil diese Kugeln nicht existieren. Die Kugeln, sie existieren nicht.“

(zu Kirk): „Unrealistisch. Bloße Erscheinungen, Phantasien. Schatten, sonst nichts. Illusionen. Nichts als harmlose Bilder. Völlig irreal. Das sind Lügen. Fälschungen. Körperlose Gespenster. Beachtet sie gar nicht. Lacht über sie.“

Die Kugeln können ihnen nichts mehr anhaben, die Illusion verschwindet und alle gelangen sicher zurück auf die Enterprise. Selbst Czekov ist auf einmal wieder quicklebendig.

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Nicht nur eine meiner absoluten Lieblingsfolgen, sondern Sinnbild und Hinterfragung der sogenannten Realität, wie das später nur noch MATRIX (USA 1999) hinbekommen hat.

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Das Leben, das Denken, die Realität, man selbst, das System(!): Alles nur Schein? Der Kosmos ein riesiges Hologramm? (neueste physikalische Erkenntnisse gehen tatsächlich in diese Richtung)

Das Denken bestimmt das Handeln. Es formt unser Leben in einem Maße, wie wir es uns kaum denken(?) können. Vielleicht ist Leben identisch mit Denken, wer weiß. Theorien in diese Richtung gibt es, nicht nur unter Esoterikern.

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Als Künstler muss man sich im Klaren sein. Wer diesen Weg einschlägt, sollte absolut sicher sein. „Der geringste Zweifel könnte tödlich sein.“ Jemandem, der mich fragt, ob er diesen Weg einschlagen soll, rate ich davon ab. Weil, wer fragt, ist sich nicht sicher. Nur diejenigen, die felsenfest an sich und die Sache glauben, sind für solch ein Leben geboren. Alle anderen werden früher oder später scheitern.

050 – Fußballfeld

Proportional verwandte Flächen (DIN A4 + Fußballfeld)
13,3 x 8 x 1,7 cm, Kunststoff, 1993 (optimiert 2003)

Nächstes Beispiel dafür, wie ein Gegenstand eine Zeichnung ersetzt: Ursprünglich hatte ich ein Fußballfeld gezeichnet, später lief mir das Gimmick als Beilage eines Micky Maus-Hefts über den Weg.

Ein Mini-Flipper für zwei Personen. Leider fehlt mittlerweile der Ball.

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Fußball was my first love. And it will be my last.

Noch vor meinem Interesse für Film, Musik, Kunst und holder Weiblichkeit, noch vor dem Reisen, vor den Mineralien und vor den Rumflaschen, stand – der Fußball. Selbst vor Urmel, Pippi & Co., der Eisenbahn und den Briefmarken (die es damals selbstverständlich ebenfalls gab).

Das war so tief verwurzelt, hatte so viel mit meinem Seelenheil zu tun, dass meine Eltern das Fernsehverbot für ein Pokalspiel meiner geliebten Bayern in der Halbzeit wieder auflösten, nachdem ich das Kinderzimmer zunächst unter Tränen setzte und danach anfing, die Bude zu zerlegen. Es wiederholte sich nicht. Alles andere wurde verboten, Fußball nie wieder.

Fußball. Das heilige Spiel. Noch vor dem Schach. Vor Monopoly und Malefitz. Die ich ebenfalls liebte und dabei ganze Nächte am Brett verbrachte.
Fußball. Mit 3 trat ich gezielter gegen den Ball. Mein Vater brachte mir das (beidfüßige!) Kicken bei. Regelmässig auf den Rheinwiesen, wofür ich ihm bis heute dankbar bin. Mit 6 enterten meine Kumpels und ich den nächstgelegenen Bolzplatz, hatten ihn mit 8 vollständig unter Kontrolle. Mit 11 wurde es professioneller: Ich trat in den Fußballverein ein. D-Jugend. Als Torjäger und letzter Mann vor der gegnerischen Abwehr. Dem Abseits stets näher als dem eigenen Sechzehner.

Im Gymnasium versammelten sich durch Zufall all meine Kickerfreunde in ein und derselben Klasse. In den kommenden Jahren gewannen wir sämtliche Pokale der Schule, manchmal gegen zwei Jahre ältere Mannschaften. Bis heute ist unser Jahrgang in Fachlehrerkreisen legendär. Mathematikformeln, Deutschaufsätze, Lateinvokalen – alles vergessen. Die Fußballturniere hingegen bleiben bis heute in Erinnerung.

Ich könnte Dutzende Geschichten erzählen: Von wichtigen Siegen und verheerenden Niederlagen, von roten Karten und randalierenden Eltern am Spielfeldrand, von bösen Buben und bestochenen Schiedsrichtern, gebrochenen Knochen und tennisballgroßen Beulen am Kopf, vom ultimativem Elfmeter-Versagen, aber auch dem Hattrick im Spiel gegen Phoenix Mannheim (Fallrückziehertor incl.). Von den Ausflügen ans Steinhuder Meer, nach Lloret und Tossa del Mar Anfang der 1980er. Was weitere Abenteuer nach sich zog.

Aber ich belasse es bei der einfachen Formel: Fußball war wichtig in meinem Leben, wichtiger als vieles andere. Erst die Kunst wurde ähnlich intensiv betrieben. Bis heute verpasse ich kein Live-Spiel im TV, sind mir Welt- und Europameisterschaften heilig: Kleine Inseln der Glückseligkeit im Sturm des Lebens. Ohne Fußball wäre ich ein trauriger Mensch geworden.

Goooal!!

046 – Kokosinsel

Stempel als Zeichenmittel; „Große Seitenstraße“
DIN A4, Stempel auf Papier, 1993/1988

„Konstantin Voit. // Kokosinsel Expedition 2000. We sold our Soul for Rock’n’Gold.“

Das Bild einer rauchenden Vulkaninsel, von der Nachbarinsel aus gesehen. Wogende Palmen, Sonnenuntergang, Vogelschwärme. Das Boot inmitten. Reinstes Südsee-Klischee. Gestempelt in Regenbogenfarben.

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Als uns Mike Hentz, Leiter der Grundklasse an der HFBK Hamburg, anno 1990 während einer mehrtägigen Klausur der Reihe nach fragte, wie und wo wir uns selbst in 10 Jahren sehen würden, antworteten die meisten mit „in New York leben“, „auf der Biennale in Venedig ausstellen“, „verheiratet mit zwei Kindern“ oder schlicht „als Kunst-Professor“.

Meine Antwort war ausgefallener.

Bereits einige Jahre zuvor hatte ich mit einem Freund beschlossen, dass wir spätestens im Jahre 2000 auf die Suche nach den berühmten Piratenschätzen des William Dampier, Benito Bonito und Henry Morgan auf der Isla del Coco (auf deutsch: Kokosinsel) machen wollten. Sie liegt ca. 500 km vor Costa Rica im Pazifischen Ozean.

Pläne wurden geschmiedet, Bücher studiert, die Crew zusammengestellt, der Segelführerschein angestrebt. Denn eines war klar: Der offizielle Weg war versperrt, wir mussten uns – wie so viele vor uns – heimlich auf die Insel schleichen und möglichst ungesehen nach den Schätzen graben.
Das war 1987. Im Sommer desJahres fuhren wir u.a. nach Garmisch-Partenkirchen, in die Nähe von Regensburg und nach Rennes Le Chateau in Südfrankreich. Überall dort sollten sagenhafte Schätze vergraben liegen. So versprach das jedenfalls die Fachliteratur, die wir begierig verschlangen.
Außer ein paar alten Konservendosen fanden wir bei all den Ausgrabungen nichts. Dafür wurden geheime Tunnel entdeckt, seltsame Zeichen an Höhlenwänden und die ein oder andere verbogene Schaufel unserer Vorgänger.

Einmal ließ ich mich mit einem (viel zu dünnen) Seil um den Bauch in einen gut 20 m tiefen Schacht hinab, den wir auf dem Plateau einer ehemaligen Burgfeste entdeckten; nachdem wir den medizinballgroßen Stein vom Eingangsloch entfernt hatten.

Auch hier: Viel Schlamm, aufgeschreckte Fledermäuse, beängstigende Dunkelheit, zittrige Feuchtigkeit. Kein Gold. Keine Edelsteine. Keine funkelnden Perlengehänge. Bei Stevenson klang das alles einfacher.

1988 reiste ich nach Indonesien. Von Jakarta mit dem Bus Richtung Bali. In Yogjakarta, ehemalige Hauptstadt des Archipels, machte ich halt. Auf dem Markt konnte man zu Spottpreisen Stempel erwerben. Grafische Vorlagen wurden von geschickten Händen in Gummi geschnitten, passende Wunschsätze dazu. So kam ich zu meinem persönlichen Mitbringsel. Mein Kumpel in Deutschland erhielt das entsprechende Pendant.
„We sold our Soul for Rock’n’Gold“. (Black Sabbath lässt grüßen)

Vielleicht ganz gut, dass aus dem Vorhaben nie etwas wurde. Zuviele tapfere Männer wurden bereits vom Gold geblendet und haben ihre Seele verkauft, verloren Charakter, Freundschaft und Heim; manche auch ihr Leben.

040 – Ich hasse Wiederholungen

Grundregel des Systems, in der Vergangenheit bearbeitet
18 x 12,5 x 1,3 cm, Gedichtband, 1993/1991

Die eigene poetische Vergangenheit. Gebündelt in einem Gedichtband. 230 Seiten stark. Gedichtet in den Jahren 1982 bis 1987, im Alter von 17 bis 22. Mit der Schreibmaschine abgetippt. Gesammelt und gebündelt im Sommer 1991, kurz vor meiner achtmonatigen Weltreise.

Nicht ernst zu nehmen, aber wichtig.

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Es war ein langer Weg zum Künstler. Zum Maler, um genau zu sein. Davor lagen der Wunsch Regisseur zu werden (mit 14), Schlagzeuger (mit 16) und Dichter (mit 17).

Erst mit der Zeit setzte sich das eigentliche Talent durch, unterstützt durch viele Reisen und der Erkenntnis, dass ich kein Teamplayer bin (weswegen der Regisseur wegfiel), mir für die musikalische Karriere der Übungsraum fehlte (ohne den es definitiv nicht ging) und ich zwar gerne und ausführlich schrieb, mir aber keine Geschichten einfielen. Weswegen auch die Dichterkappe schnell abgelegt wurde.

Was blieb und mich schon immer begleitet hatte, was aber nie sonderlich ernst genommen wurde, war das Malen. Da ich mit dem Zeichenstift nichts anfangen konnte und schon in der Schule lieber supersaubere, korrekte Farbflächen setzte statt mich an irgendwelchen Modellen zu verkünsteln, verwarf ich früh den Gedanken, ein ausgebildeter bzw. „vollständiger“ Künstler werden zu können. Dafür fehlte es mir schlicht und ergreifend an dem nötigen (Zeichen)Talent. So dachte ich zumindest.

Dass genau diese Eigenheit und vermeintliche Schwäche später zur eigentlichen Stärke, ja zum Markenzeichen werden sollte, dafür brauchte es noch eine Weile. Damals jedenfalls bastelte ich mehr an Worten statt an Leinwänden, rang mit Intonation und Satzabschlüssen, griff mal hierhin, mal dorthin, versuchte mich mit Songtexten genauso wie mit romantisch verklärten Melancholien. Wie man das halt so macht als Dichterlehrling, der zuviel Hesse, Capote und Dostojewski getrunken hatte.

Anfang November des Jahres 1985 dichtete ich etwas, das modern und zeitgemäss aussehen sollte. Unbewusst skizzierte ich einen der Hauptmotoren des Systems, Jahre bevor dieses anfing zu laufen.

Wiederholungen vermeiden. Kopien sowieso. Nicht nur für das System ein wesentlicher Gedanke, sondern für die Kunst allgemein. Was geschehen ist, ist geschehen. Es sollte einen Künstler nicht mehr interessieren. Auf zu neuen Ufern. Die Welt ist groß. Jedem Kapitän seine eigene Insel. Ahoi!

031 – Meuterei auf der Bounty

Das wichtigste Buch meines Lebens
17,9 x 11,5 x 2 cm, Buch, 1993/1985

Fletcher is my name. Fletcher is the game. Die Meuterei begleitet mich ein Leben lang. Wie oft ich das Buch als Kind und Jugendlicher gelesen habe, weiß ich nicht mehr. Es muss viele Male gewesen sein. Selbst auf meiner Wanderung anno 1985 hatte ich es bei mir.

Später kamen die Filme dazu. Vor allem die grandiose Inszenierung mit Marlon Brando, 1962. Jahrelang mein absoluter Lieblingsstreifen.
Was aber fasziniert mich daran derart, dass es nicht nur zu meinem Lieblingsbuch wurde, sondern zum Markenzeichen für ein ganzes Leben?

Ist es die Geschichte, das Abenteuer, die Unglaublichkeit der Ereignisse? Der Mut der Besatzung, sich gegen unhaltbare Zustände aufzulehnen, alles hinter sich zu lassen und ohne Rücksicht auf die eigene Zukunft das Unmögliche zu wagen? Oder schlicht und ergreifend das Exotische, die Ferne, das Meer, die Südsee?

Von allem vermutlich etwas.

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Meuterer unterscheiden sich von Piraten. Das ist wichtig. Während erstere Ausgestossene sind, die sich an der Habe anderer bereichern, dabei auch gerne über Leichen gehen, also per se außerhalb des Gesetzes stehen, sind Meuterer diejenigen, die prinzipiell damit konform gehen.

Erst eine außergewöhnliche Situation, ein besonderer Umstand macht sie zu dem, was sie sind. Etwas, das so heftig an Gesetzestreue und Loyalität gegenüber der Obrigkeit rüttelt, dass sie gar nicht anders können, als sich aufzulehnen und zu meutern. Ohne Rücksicht auf eigene Verluste.

Künstler sind das eigentlich von Haus aus. Sie lehnen sich auf gegen Konformität, Gleichschritt, bedingungslose Unterordnung und Eingliederung in ein Gesellschaftssystem, das sie als ungerecht, hierarchisch, korrupt und unfrei, alles in allem also als „schwer renovierungsbedürftig“ empfinden.

Nur: Vor den eigenen Toren macht das oftmals halt. Das Kunstsystem selbst wird gerne ausgeklammert. Die böse Welt mag wohl da draußen sein, in der Kunst hingegen ist alles gut. Pustekuchen!

Gerade in der Kunst spiegelt sich die Gesellschaft um ein Vielfaches. Das ist vielleicht die grösste Erkenntnis, die zwischen dem naiven Bild von damals (als man anfing in die Materie einzutauchen, das Studium begann, die ersten künstlerischen Ausflüge unternahm) und dem Heute liegt.

Auch, weil es um viel Geld geht. Um Macht. Um Einfluss. Um eigene Pfründe. Da sind Anpassung, Duckmäusertum, Radfahrer-Mentalität, Ellenbogen-Denken und Egoismus vorprogrammiert. Sozusagen Tagesgeschäft. Weil sich das Kunst-System in keinster Weise von dem Gesellschafts-System unterscheidet. Im Gegenteil.

Genau hier wäre manchmal die Meuterei vonnöten. Gerade dort bräuchte es Menschen wie Fletcher Christian, die die Klappe aufreißen und gegensteuern. Aufbegehren. Nicht mehr mitmachen. Den Säbel zücken. Klartext reden. Zur Not den Kapitän ins Beiboot verfrachten. Das System als solches bloßstellen. Nicht nur den eigenen Vorteil im Blick haben. Das Ganze sehen. Ohne Rücksicht auf die eigene Karriere oder das eigene Glück.

Doch wer wagt das heute noch?

Deshalb: Als großes Symbol innerhalb der Geschichte, als großes Leitbild und Motiv ist die „Meuterei“ so präsent wie ehedem. Man kann nur hoffen, dass die Fletchers auf dieser Welt niemals aussterben, dass immer wieder ihr Leuchtfeuer auf die Küste trifft. Weil es um Wahrhaftigkeit geht, um Unbeugsamkeit und – letzten Endes – um große Emotionen. Ahoi!

017 – Künstlerliste

Alle Künstler, die Einfluss auf die eigene Arbeit hatten (1998)
DIN A4, Schreibmaschine auf Papier, 1993/1998

Alle Künster(innen), die Einfluss auf die eigene Arbeit hatten. Stand 1993, ergänzt 1998. Der gesamte Kunstkanon während einer bestimmten Zeit. Es sind auch Positionen dabei, die mir nicht direkt nahe stehen, mit denen ich mich aber auseinandersetzte – oft in Folge, dass genau der gegensätzliche Ansatz gestärkt wurde („Joy in Contradiction“).

Interessanterweise tauchen Namen auf, die heute in der Kunstwelt Allgemeingut sind. Damals kannte sie kein Mensch. Geschuldet der Tatsache, dass sie mit mir studierten und noch keine Weltstars waren. John Bock und Jonathan Meese sind Beispiele dafür.

1993 bzw. 1998 war es relativ einfach, den Überblick zu gewinnen. Die Positionen waren überschaubar; es gab das Internet nicht. Heute flattern täglich neue Namen herein, plus dazugehörigem Werk. Es ist nahezu unmöglich geworden, sich aller künstlerischen Positionen bewusst zu werden, durch deren Beschau sich der eigene Standpunkt entwickelt und geformt hat. Speziell dann, wenn diejenigen dabei sein sollen, die einem künstlerisch nicht sonderlich nahe stehen.

Wir schreiben das Jahr 2016. Nach der letzten Aktualisierung der Liste sind fast 20 Jahre vergangen. Zudem ist das JPG schlecht lesbar. Eine Überarbeitung tut also not.

Damals zählte ich alle Künstler(innen) auf, die meine künstlerische Entwicklung beeinflussten. Heute wähle ich daraus jene, die in der Auseinandersetzung immer noch eine Rolle spielen. Ausgehend von der Liste 1998 – also 18 Jahre später.

Es fehlen also ganz viele Namen. Viele neue sind hinzugekommen. Das allerdings wäre eine ganz eigene Arbeit.

Adamski // Bächli // Baselitz // Beuys // Bleckner // Böcklin // Bömmels // Boetti // Boltanski // Bonnard // Borofsky // Bosch // Botticelli // Brandl // Brehmer // Büttner // Buren // Buthe // Byars // Cezanne // Christo & Jeanne Claude // Clemente // Dali // Deacon // Dokoupil // Dreher // Dubuffet // Duchamp // Dürer // Fetting // Fischli & Weiß // Förg // Frize // Gaudi // Gauguin // Giger // Gilbert & George // Graham // Graubner // Gursky // Herold // Hesse // Hirst // Hockney // Hodgkin // Hodler // Hödicke // Hoehme // Holzer // Hopper // Horn // Huber // Hundertwasser // Hutter // Immendorf // Jawlenksy // Jensen // Kandinsky // Kawara // Kelm // Kiefer // Kippenberger // Kirchner // Kirkeby // Klapheck // Klee // Klein // Klimt // Knoebel // Koberling // Koons // Kosuth // Kooning // Kounellis // Kühn // Laib // LeWitt // Lichtenstein // Lorrain // Macke // Marc // Matisse // Matthews // Meese // Middendorf // Moldenhauer // Monet // Morandi // Mosny // Mullican // Munch // Ocampos // Oldenburg // Oehlen, A. // Oehlen, M. // Oelze // O´Keefe // Opalka // Paeffgen // Palermo // Pechstein // Penck // Picabia // Polke // Pollock // Richter // Rollins & KOS / Rousseau // Salle // Salome // Salvo // Sandfort // Schiele // Schindler // Schnabel // Schnyder // Schoofs // Schultze // Schumacher // Seurat // Sonderborg // Stella // Tapies // Trockel // Twombly // Ulrichs // Van Gogh // Vasarely // Vermeer // Viola // Walther // Warhol // Wesselmann // Whiteread // Zimmer

000 – Deckblatt über Deckblatt

Schutz des obersten Blattes beim Lagerzustand
DIN A4, Schreibmaschine auf Karton, 1994

Das „Deckblatt über Deckblatt“ steht stets am Anfang einer Präsentation, genauso wie das Messer (vgl. #243) immer den Abschluss bildet. Es ist das Vorne. Der Schutz des Ganzen (2. Stufe).

Nachdem sich in den ersten Monaten seiner Entstehung das System massiv ausgeweitet hatte, kam schnell die Frage der Lagerung auf. Die Objekte kamen in die Kiste, die Blätter wurden gestapelt und anfangs in dünnen, später etwas dickeren Ordnern verstaut.

Dabei lag stets Zeichnung #001 oben auf, was auf Dauer zu einer entsprechenden Gefährdung führte. Alle anderen Blätter waren durch den Stapel geschützt, aber das oberste war besonderen Umständen ausgesetzt. Die Knickgefahr beim Einschub in den Ordner war höher, es war ungeschützt dem Licht ausgesetzt, zudem hatten Wassertropfen leichtes Spiel. Insgesamt ein Umstand, der geändert werden musste.

Das erste „Deckblatt“ entstand. Jetzt war die erste Zeichnung zwar geschützt, jedoch stellte sich schnell die Frage, ob dieses „Spezial“-Blatt nicht selbst Teil des Systems geworden sei und damit ebenfalls schützenswert wäre.

Das ”Deckblatt über Deckblatt“ entstand.

Diesmal aus Karton statt aus Papier. Es schützte nicht nur das „blanke“ System, sondern das erste Deckblatt gleich mit, war somit die zweite Klammer um den Kern (vgl. #058: Konkrete Poesie bzw. #049: Matrjoschka). Natürlich stellte sich sofort die Frage: Wie schützenswert war wiederum dieses Blatt? War es nicht gleichfalls Teil des Ganzen geworden? Geht das überhaupt, dem System etwas anzugliedern, ohne dass dieses automatisch davon absorbiert wird?

Dieses Spiel ließe sich bis in alle Ewigkeit fortführen. Ich beließ es beim zweiten Schritt. Dass es durchaus Sinn macht, kann man an den Spuren erkennen, die sich über die Jahre an der Oberfläche abzeichneten. An der geografischen Front herrschen eigene Gesetze (vgl. #069: Frontverlauf = chronologische Front).

Aus dem „Deckblatt“ wurde so eine sich über die Jahre selbst verwirklichende Zeichnung. Allein dem Umstand geschuldet, dass es zuoberst auf dem Stapel liegt. Es ist eines von zwei Blättern, die sich erst aus der Zeit heraus „entwickeln“ und nie ganz abgeschlossen sind. In dieser Hinsicht dem Pauspapier ähnlich (vgl. #157), nur dass sich dieses inmitten des Stapels befindet und dort den ausgeübten Druck im gelagerten Zustand optisch „mißt“.

„Work in progress“, im wahrsten Sinne des Wortes – so wie das System als Ganzes.

Künstlergespräch zum Mannheimer
Kunstpreis der Heinrich-Vetter-Stiftung

Sonntag, 27. Sept. 2026 um 15:00 Uhr
Port25, Mannheim

fünfmal Konzept

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215 – DIN A4 als Kreis

214 – Aschenbecher

213 – Puzzle

212 – Waagen-Installation

211 – Alarmanlage

210 – Jubiläum

209 – Verletzungsgefahr

208 – Bild ohne Sinn und Verstand

207 – Rollende Galerie

206 – Toter Winkel

205 – Scheren-Zeichnung

204 – Ein Zeichen zum Beweis, daß ich gelebt habe

203 – Hürden von hinten nehmen!

202 – Alle Möglichkeiten in Schwarz

201 – Das Polke-Problem

200 – Absorbiert

199 – Mittelpunkt 1km

198 – Ein Schritt weiter

197 – Backförmchen

196 – Weltall-Bild

195 – Adventskalenderbild

194 – Wurzel-Zeichnung

193 – 8128

192 – Gardinen-Zeichnung

191 – Postamt

190 – Schwamm

189 – Regelwerk

188 – Visitenkarte

187 – Verputzstück

186 – Aufsteller

185 – Untersystem 1–1000

184 – Geburtstermin

183 – Das Böse

182 – Mobile

181 – Vorstoß in die Tiefe

180 – Möglichkeiten/Anspruch

179 – Auge im Glas

178 – Wasseruhr

177 – Blutleer

176 – Jenga

175 – Komma Fünf

174 – Sicherungen

173 – Rosenkranz

172 – Malerei

171 – Pitcairn

170 – Kreisel

169 – 1001 Nacht

168 – Anthroposophie

167 – Mini-Atelier

166 – Öl im Universum

165 – Flippertulpen

164 – STRAND

163 – Netz

162 – Fußballmannschaft

161 – Öl auf Leinwand

160 – Gewicht

159 – 566

158 – Kalender

157 – Pauspapier

156 – Kugelschreiber 3

155 – Bügel-Zeichnung

154 – 5 Messer

153 – Kern

152 – Kerze

151 – Kreuzung

150 – Schalter

149 – Leere Seite

148 – Reserviert

147 – Tresor

146 – Zaubertafel

145 – Kartonboden

144 – Weiche

143 – Memory

142 – Japanischer Zehknochen

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